Los mundos paralelos que David Thorpe lleva desarrollando desde mitad de los noventa incluyen dibujo, pintura, escultura, instalación, performance, textos en paredes y collage. Inventa mundos fantásticos, emplazados en paisajes sublimes, para comunidades altenativas imaginarias.
 
”Mi trabajo me ayuda a ver que todo es posible, que podemos trascender cualquier limitación.”
 
En sus obras vemos viviendas aparentemente futuristas en páramos alejados de la civilización. Los paisajes inmediatamente revelan referencias a artistas del siglo XIX como Caspar David Friedrich, o Albert Bierstadt y ofrecen una convincente re-interpretación de la mirada visionaria y sublime para el siglo XXI.
 
Laboriosamente construidos, los collages de Thorpe suelen llevar piezas de chapa, cortezas, cuero o flores secas; podemos ver diferentes niveles espaciales, desde papel de seda a materiales pesados, construyendo imágenes en las que la técnica y los materiales enlazan perfectamente con el contenido. Como él mismo apunta: Estas obras muestran cosas, pero podrían estar manufacturados por gente de estos mundos. Podrían ser el tipo de imágenes que se ven dentro de estos edificios.
 
Aquí dejo algunas imágenes de sus obras.
 

Aquí dejo una nueva obra. Abrazos.
 

 

Aquí dejo el texto-entrevista que saldrá en el próximo número de 967 Arte. Al ser demasiado largo para el blog, dejo un enlace para que os lo bajéis en pdf.

Por Iván de la Torre Amerighi

Debo confesar que el primer encuentro con la obra de Santiago Talavera fue del todo casual. Visitando al común amigo José Luis Serzo en su estudio, al bajar un tramo empinado que giraba sobre su izquierda me topé, en la pared frontera, con una obra de grandes dimensiones que me atrajo sólo por lo que podía intuir, ya que estaba enteramente cubierta por plásticos translúcidos. Tras estos parecía bullir un minúsculo universo, fragmentado y proteico. Entonces no lo sabía, pero aquella obra era “La isla de los voraces”, tan importante por tantas y tantas cosas para la trayectoria del artista. Después me preocupé por buscar otras obras, ante las cuales me surgieron numerosas preguntas, que pronto le trasladé al artista utilizando el dinamismo y versatilidad que nos permitía internet. Lo que sigue es una relación de preguntas, respuestas y reflexiones sobre unas y otras:

- Observando tus obras, es apreciable que existe una diferencia muy sutil, por no decir casi imperceptible, en la forma de entender indistintamente dibujo y pintura. De hecho la primera vez que vi “La Isla de los voraces” bajo los plásticos que la envolvían pensé que me encontraba ante una pieza con entidad de lienzo de gran formato. ¿Por qué crees que sucedió esto?

- Disfruto pintando como dibujante y dibujando como pintor. Intento que se diga que un cuadro es un cuadro por estar trabajado sobre tabla o lienzo, aunque el resultado tenga la plasticidad propia del dibujo. En algunos casos como el que comentas, el papel me permite mayor versatilidad para plasmar procesos largos y complejos, lo que provoca un pequeño cambio de roles. Sigue habiendo en torno al dibujo y la pintura ciertas ideas establecidas: resulta extraño que un cuadro sea el boceto para un dibujo, o que en una exposición un dibujo eclipse al resto de obras.

Pintar como un dibujante y dibujar como un pintor. ¡Qué certera definición! Si analizamos atentamente unos y otros, no será difícil descubrir la utilización poco ortodoxa pero muy efectiva –por ejemplo- del óleo sobre el papel mientras, por el contrario, se recrea en la abundancia de la línea y la textura sobre los lienzos.

- Hay un placer que no escondes pero que utilizas muy sutilmente: el enfrentamiento de realidades divergentes, diferidas, o, más concretamente, la inclusión en una escena en ‘apariencia’ ortodoxa de un elemento discordante y paradójico que nos obliga a variar nuestras nociones de certeza. ¿Cuál es la finalidad?

 
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El pasado jueves pude ver la exposición de Clare Woods en Galería Pilar Parra & Romero. Ante sus obras, pinturas esmaltadas sobre aluminio, rápidamente nos vemos envueltos por una atmósfera oscura y poética. Los lugares que la pintora británica nos presenta son arboledas, pozas y bosques perdidos, vistas nocturnas o frondosidades a las que la luz diurna no puede acceder. Cemetery Bends, obra que da título a la exposición, sugiere una apertura a lo desconocido desde una bajada que nos saca de cualquier camino o carretera.
 
Si bien la fotografía tiene un papel importante en su método de trabajo, es la tensión entre control y azar lo que me atrae de su pintura. El cálculo de cada una de las manchas convierte lo aparentemente gestual en una compleja escenografía donde las alusiones al simbolismo, el folclore inglés y una cierta mirada ascética de la naturaleza me atraparon desde el primer instante.
 

En los sueños de I Ming hay una caseta pagoda desde la cual poder observar un contínuo amanecer, un sombrero cuyo interior custodia constelaciones, incluso él mismo se sorprende al verse tan alto como una montaña. Blinky Rotred, amigo y admirador de su capacidad de romper la línea entre realidad e imaginación, nos invita a la habitación del prodigioso niño, residente en una humilde aldea cerca de Shangai.

José Luis Serzo profundiza en uno de sus proyecto-relatos más recientes: Los sueños de I Ming, el pequeño amarillo, guiándonos al manantial de fantasía de uno de sus personajes más peculiares. Óleos de diverso formatos, vídeo-esculturas y dibujos englobados en una instalación íntima y llena de alusiones a la sabiduría oriental, cine de ciencia ficción y la literatura.

Siempre consciente del peligro de su propuesta hoy en día, Serzo camina firme en su defensa de la imaginación expansiva como vía de conocimiento y transformadora del entorno. Crítico con la voluntad desmoralizadora y la oscuridad de ciertas élites imperantes, el compromiso y valentía de su trabajo logran contagiar a iniciados y entendidos.

Por desgracia tan sólo quedan unos pocos días para el cierre de su exposición en Galería Blanca Soto. A quienes todavía no hayáis ido, os animo a que os paséis hasta el sábado 25.

Aquí dejo el enlace a su web:

Web
 
Galería Blanca Soto Arte
Horario:
Martes – Viernes 10:00-14:00 / 17:00-20:00
Sabado – 10:00-17:00
 

Algo más se necesita para que ciertas cosas nos convenzan lo bastante para hacernos cambiar de actitud y de conducta. Eso es lo que hace el “lengaje onírico”. Su simbolismo tiene tanta energía psíquica que nos vemos obligados a prestarle atención
 
Carl G. Jung
 
Cuando me encuentro con una obra de Jesús Zurita siempre revivo sensaciones de la infancia. Muchas de ellas tienen que ver con los delirios que en más de una ocasión tuve, debidos a las altas fiebres. En aquellos fascinantes episodios daba lo mismo cerrar o abrir los ojos, todo estaba cargado de una extrañeza sensual y afligida. Eran breves iniciaciones al arte, momentos para especular con el sueño y la imagen. Puertas al otro mundo.
 
Cuando miraba los lienzos de Zurita en su reciente muestra en el CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente), pensaba en Jung. Según él nadie puede interpretar nuestros sueños o las figuras derivadas de los mismos. La ambigüedad y la vagancia son parte de su expresión, por lo que nos guste o no, sólo nos queda percibirlas con la conciencia psíquica de la que están hechas: imaginación. De nada nos serviría intentar aprehenderlas mediante el mundo sensorial.
 
En su obra más reciente, titulada Destemplanza, Jesús Zurita opera en nuestro mundo racional, decapando mediante delgadas líneas, bloques oscuros, sudores fríos, dáimones, humos alquímicos, rocas o superficies irrealizables. La espacialidad de su pintura tensa lo geométrico y lo orgánico, delicadeza oriental escondida y síntesis conceptual. Conforme nos adentramos en sus cuadros “sospechamos” su mundo onírico y descubrimos el Poder de una obra sutil, arriesgada y de una densa carga simbólica.
 
No lo voy a negar: me fascina su pintura. En la inauguración además tuve la suerte de conocerle. Os recomiendo acercaros por su exposición, que estará abierta hasta el 17 de mayo.
 
CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente)
Calle Leganés, 51.
Horario de las exposiciones:
De lunes a sábado de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 21.00 horas.
Domingos y festivos de 17.00 a 21.00 horas.
 
 

“Intento pintar como Velazquez, pero con la textura de la piel de un hipopotamo” – Francis Bacon
 

El pasado jueves pude disfrutar de la primera gran retrospectiva de Francis Bacon en España, que estará expuesta en el Museo del Prado hasta el 19 de abril, antes de viajar a Nueva York.
 
Organizada en colaboración con la Tate Britain de Londres y el Metropolitan de Nueva York, la exposición muestra setenta obras del pintor británico, desde las primeras hasta las más cercanas a su muerte en Madrid. Muchas de ellas son indiscutiblemente imágenes poderosas e imprescindibles del siglo XX, como El retrato del Papa Inocencio XX o Tríptico (1944), y la mayoría de sus últimos trabajos, menos conocidos (al menos para mí), tienen una fuerza visual y un dominio de la paleta magistrales. Merece la pena poder acercar la mirada a unos pocos centímetros de sus lienzos: chorreos, goteos de la pintura del pincel (o el bote), precisos y afilados brochazos..; el acertado montaje, que divide las obras por bloques temáticos-cronológicos, nos permite entrar también en su estudio e investigar entre sus fotomontajes y amontonados recortes de prensa.

Antes de terminar, dejo un pequeño fragmento de las conversaciones con David Sylvester, libro que recomiendo y en el cual se puede ahondar en la personalidad de Bacon

 
Cuando se habla de la violencia de la pintura, es algo que no tiene que ver nada con la violencia de la guerra. Es algo que se relaciona con la tentativa de reproducir la violencia de la propia realidad. Y la violencia de la realidad no es sólo la simple violencia a la que aludimos al decir que una rosa o cualquier otra cosa es violenta, sino también la de las sugerencias dentro de la imagen misma, que sólo puede transmitirse a través de la pintura. Cuando te miro sentado a la mesa frente a mí, no sólo te veo a ti, veo también toda una emanación relacionada con la personalidad y demás. Y trasladar todo eso a un cuadro, como me gustaría poder hacer en un retrato, significa que aparecería violencia en la pintura. Casi siempre vivimos a través de velos; una existencia velada. Y a veces pienso, cuando dicen que mi obra parece violenta, que quizás haya sido capaz en ocasiones de correr uno o dos de los velos, o de las cortinas.
 

Escribo para comunicaros que hasta el próximo 30 de diciembre participo en Paisajes imaginarios, exposición colectiva temática en la cual se pretende dar una oportunidad al la cara más imaginativa y creativa del género del paisaje. Entre los artistas participantes están habituales de la galería: Dis Berlín, José Luis Mazarío o Emilio González Sainz, junto a algunos que ya mantuvieron una vinculación con Siboney como Guillermo Pérez Villalta o Charris.
 
A quienes podáis acercaros, aquí dejo un enlace al sitio web de Galería Siboney.
 
Galería Siboney

C/Castelar, 7
(942) 31 10 03
39004 Santander

 
Noticia en El diario montañés
 
Noticia en Artfacts
 
Vídeo
 

Matthias Weischer es un pintor alemán jóven aunque ya conocido internacionalmente, cuya carrera está en pleno ascenso y que estos meses es noticia en nuestro país, pues el CAC Málaga expone sus obras más recientes, realizadas durante su estancia de un año en Villa Massimo (Roma), bajo el nombre Room with a view.
 
Las obras de Matthias Weischer usan la arquitectura para explorar las posibilidades de la ilusión espacial. Mezcla estampados obsesivos, contrasta zonas geométricas con total abstracción; sus detallados motivos decorativos son parte de un complejo proceso de capas que muestran un inquietante juego de planitud y tridimensionalidad.
 
Lo que me atrae de su pintura es una cierta improbabilidad en su construcción, una danza entre el gesto expresionista y un ordenado formalismo que realza el misterio latente de cada espacio.
 
Gracias a la beca Rolex, Weischer disfrutó de un año de apadrinamiento con el artista David Hockney. El vídeo que podéis ver en el link es muy interesante, ojalá se desarrollen iniciativas como ésta aquí (lo más parecido que conozco es ésto.

La muestra podrá visitarse del 19 de septiembre al 16 de noviembre en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, de martes a domingos de 10 a 14 hs y de 17 a 21 hs.

"La Historia no existe, sólo hay historiadores. De tal modo que si usted es Ridley Scott o Walter Scott es consciente de que cuanto hace es jugar con la Historia, a la que moldea y manipula como quiere"
Peter Greenaway
 
Tras haber visto “La ronda de noche”, la última película de Peter Greenaway, no pude evitar zambullirme en google en busca de información sobre el célebre cuadro de Rembrandt, alrededor del cual gira el film.
 
Y encontré una entrevista el la que el director británico afirmaba lo que subrayo encima de estas líneas. Toda una declaración de intenciones sobre lo que implica la interpretación de la historia y, en menor escala, las repercusiones y peligros que conlleva la investigación del misterio para el hombre despierto: Rembrandt y con menos riesgo Greenaway.
 
“La ronda de noche” traza una elaborada hipótesis sobre las implacables represalias que el pintor holandés sufrió tras finalizar el retrato de la compañía de arcabuceros de Ámsterdam. Greenaway nos muestra los muchos secretos que hay escondidos en el cuadro, y juega con la Historia al igual que supuestamente hizo Rembrandt.
 
Una película imprescidible para amantes de la pintura.
 
Aquí dejo un enlace:
Web de la película

Thomas y Wiebke es el título del último proyecto de Ángel Masip, además de los nombres de quienes compartieron con él la captura de las imágenes. Estos escenarios, desconocidos y a la vez comunes para todos, nos devuelven a la búsqueda de una visión auténtica a través del paisaje, en la cual los recursos juegan en favor de transmitir la intensidad vivencial y emocional de cada lugar.
 
En esta búsqueda, las referencias al mundo del diseño de su obra anterior parecen reducirse. Pese a lo interesante de la propuesta, éstas podían leerse como una paradoja de la relación artificial que a veces los artistas tenemos con las imágenes que “manipulamos” (“un muro de ceros y unos”, como me gusta decir) y me hace pensar que quizás es inevitable, incluso para el más contemporáneo de los paisajistas, probar a deshacerse de artificios y construir a partir de la memoria más visceral. Esa en la que la fotografía se mezcla con la proyección del recuerdo del lugar y hace que ninguno de esos sitios vuelva a ser el mismo después de nuestra visita.
 

Hoy traigo la obra de un artista británico cuya obra me interesa por su manera de acercarse al paisaje. Influenciado por conceptos post minimalistas generalmente aceptados por nuestro modo de vida y cultura, Blaise Drummond utiliza espacios arquitectónicos de van der Rohe o Le Corbusier como lugares para una existencia idealizada.
 
En sus obras se puede percibir esa ya tenue relación entre naturaleza y cultura, en la que ha desaparecido la generosidad natural y la vista se fija en lo que importa allí según nuestros patrones de modernidad. Campos de cricket, zonas de picnic, bosques y vistas panorámicas como parajes áridos, no exentos de belleza, donde cada elemento parece flotar en un equilibrio inestable.
 
La visión precisa y refinada de Blaise Drummond nos permite reflexionar acerca de nuestra artificial y procesada relación con nuestro entorno, siempre con una distante y gélida mirada hacia un nuevo comienzo.
 
 
 

Tan sólo me hizo falta leer la entrevista en el pasado suplemento dominical de El País a Philipp Fröhlich para saber que debía acercarme a la galería Soledad Lorenzo. Allí es donde el artista alemán, afincado en Madrid desde 2002, expone hasta el 5 de enero un conjunto de témperas de gran y medio formato aglutinadas con el título “Beachy head”.

El artista fija su atención en sucesos encontrados a través de diferentes medios: literatura, fotos viejas, noticias.. los cuales le llevan a realizar maquetas que luego traslada al lienzo. Estas maquetas, en sus propias palabras, le sirven como “muletas” en las que apoyarse, además de permitirle juegos de iluminación específicos e imposibles en condiciones normales, que sin duda dotan a sus imágenes de una plasticidad muy sugerente.

El halo simbolista y fantástico que pintores actuales como Peter Doig parecen querer avivar y una pincelada metódica pero suelta que inevitablemente recuerda al puntillismo (en su versión más estridente), contribuyen al disfrute de estos enigmáticos escenarios. Una exposición muy recomendable

The royal art lodge es un grupo de artistas canadiense que, desde 1996 y con diversos cambios en su formación, se reune todos los miércoles para trabajar de forma conjunta. Actualmente está formado por Michael Dumontier, Marcel Dzama y Neil Farber, y la galería Espacio Mínimo expone hasta el 20 de Octubre su primera muestra individual en España.
El resultado: pinturas de ejecución rápida y a menudo infantiles cuyo visionado, siempre rozando una línea absurda entre lo inocente y lo perverso, da un sentido global del trabajo y la aportación de cada uno de los integrantes.

Entre las fotos que adjunto he incluido varias de su estudio, ya que para mí lo refrescante de descubrir trabajos conjuntos como éste es imaginar otras maneras posibles de plantear un proyecto, y el lugar de trabajo da muchas pistas..

El otro día caminaba por Noviciado, y me quedé quieto fijándome en el cierre pintado de una frutería. Un mural muy colorido y delirante con un estilo único: el de 3ttman.

Éste artista francés está reviviendo las fachadas de buena parte de nuestras calles, y está consiguiendo devolverme el gusto por el buen graffiti. A diferencia de los horribles tags y demás firmas y meadas territoriales, el estilo de 3ttman tiene gran inventiva, un mundo propio y, según cuenta en esta entrevista, una gran vitalidad y ganas de hacer cosas.

Encima de éstas líneas dejo varias imagenes de sus trabajos..
Buenas nochesss :)

Hola!

Tras meses y meses (quizá demasiados) de quita y pon, “puesyaques..” y retoques infinitos, por fin puedo decir que arturoprins.com, la web en la que Arturo y yo hemos puesto tanta ilusión, está online.

La idea inicial era crear un sitio web que recreara el universo de Arturo, una casa donde él se sintiera cómodo mostrando y compartiendo; para ello había que adaptar el lenguaje web a algunas cosas que él me pedía, a priori bastante poco digeribles para un navegador medio: todo tipo de bichitos y partículas revoloteando, botones de esmeralda y amatista, pagodas que se evaporan al pasar el ratón por encima.. Yo estoy muy contento con el resultado.

Ah! Y en la esquina superior derecha tenéis la banda sonora que hice para su última exposición, y que he metido como fondo sonoro. Podéis cambiar de canción en los botones de colores que salen tras desplegar el menú.

Espero que os guste! ;P