Dentro de el programa España: Nuevas culturas urbanas. Berlín, 2010, organizado por el Ministerio de Cultura y la Embajada de España en Berlín, y que tiene lugar en dicha ciudad entre los meses de julio y agosto, mañana jueves se inaugurará Nulla dies sine linea. Ni un solo día sin una línea. Dibujo español contemporáneo, una muestra en la que participo junto a otros 22 artistas, en la que se podrá ver la calidad y heterogeneidad del dibujo Español que se realiza en la actualidad.
 

Artistas participantes:
 
Pedro Alarcón Ramírez | Manuel Barbero | Juan Ángel González de la Calle | Sofía Jack | Abraham Lacalle | Imanol Marrodán | Lola Marazuela y Paco Mesa | Sito Mújica | Marina Núñez | Luis Pérez Calvo | PSJM | Luis Quintero | Ruth Quirce | Enrique Radigales | Fernando Renes | Luis Salaberría | Domingo Sánchez Blanco | Óscar Seco | José Luis Serzo | Daniel Silvo | Santiago Talavera | Juan Zamora | Jesús Zurita
 
Dirección:
Freies Museum Berlin
Ma – Sa 12 a 19 h.
Potsdamer Str. 91
10785 Berlin
 
Web Nuevas culturas
Ver el Catálogo. Diseñado por Se ha ido ya mamá?

Nuestro extraño garaje en el centro de Madrid es a la vez refugio, espejo, catapulta y, con motivo de esta exposición en Galería Siboney, proyector de nuestra obra.
 
El pasado viernes 4 inauguramos el extraño garaje, donde unimos nuestras visiones y maneras tres artistas complejos, muy diferentes y afines al mismo tiempo. Siendo consciente de lo providencial y extraordinario de poder compartir esta muestra con dos artistas a quienes admiro, os invito a visitarla o a recorrerla con imágenes.

 
El extraño garaje
hasta el 27 de junio de 2010
 
C/Castelar, 7
Telf. (942) 31 10 03
Santander
 
www.galeriasiboney.com
info@galeriasiboney.com
 
 

Galería Flickr de la exposición

“Una vez tuve un amigo que me dijo que el peor error que puedes cometer es pensar que estás vivo,cuando realmente estás dormido en la sala de espera de la vida. El truco es combinar tus habilidades racionales conscientes con las posibilidades infinitas de tus sueños. Porque si puedes hacer eso, podrás hacer cualquier cosa.”
Chico que toca un ukelele
 
En los 101 minutos de este desconocido film, realizado en 2001 por Richard Linklater, la técnica de Rotoscopio digital, y un gran guión que concatena diálogos sobre la realidad, las relaciones humanas, filosofía, los sueños lúcidos o teoría cinematográfica, nos hacen reflexionar profundamente sobre nuestra percepción de la realidad, en cómo el conjunto de luces y sombras que llegan a nuestra retina produce una dimensión psicológica y emocional única, filtrada por nuestra proyección contínua de sueños y deseos.
 
Estamos en la era del cine en 3D, sí, pero en esta cultura de masas, de golosinas culturales, el cine de animación parece haber relegado la implicación del espectador a unas gafas de colorines. No busca una verdadera experiencia sensorial sino entretener, distanciar cada vez más lo real de lo mejorado. Por ello ver esta película me ha resultado tremendamente refrescante; en ella el uso de la animación y del dibujo no son un mero despliegue de efectos sino una perfecta fusión entre idea y forma, un complemento perfecto para los descubrimientos y riesgos que esconde.
 
Nadie dijo que los sueños fueran fácilmente digeribles, ni la filosofía, ni la mayoría de formas artísticas que, con decisión y atrevimiento, nos ponen contra las cuerdas. Así pues, Waking life tiene mucho de ensayo filosófico y estético al que volver como un libro lleno de marcadores. Abarca temáticas muy diversas con diálogos que hacen referencia al situacionismo (Guy Debord), el existencialismo (Sartre) y postmodernismo entre muchos. Interesantísima es también la escena “The holy moment” sobre la “realidad objetiva” en el cine en la que el propio film se convierte en Metafísica.
 
Son las ideas puestas en escena (por personajes moviéndose incómodamente en los sueños del protagonista), las que exhortan al espectador, las que invitan a movernos y sacudir cuanto hemos creído hasta ahora.
 
Link a la web de Waking life

Hiroyuki Doi es un artista Japonés autodidacta cuyo sencillo vocabulario es el círculo, que repite de manera casi obsesiva hasta crear grandes masas topográficas o cósmicas.
Mediante un sencillo bolígrafo Pilot de tinta negra sobre papel japonés, Doi trabaja la superficie sin nada planeado, alcanzando un estado de trance necesario para la concentración y el ensimismamiento.
 
“En esta sociedad informatizada, debemos enfatizar todavía más el trabajo de nuestras manos. Encuentro alivio en el dibujo; algo externo a mí me pide hacerlo. Dibujando círculos siento que existo en el cosmos”
 
Aunque en los años 70 el artista recibió influencias occidentales, gracias a numerosas visitas a museos en Europa, la esencia difícilmente clasificable de su trabajo posee cierta afinidad con las pinturas abstractas experimentales que realizaron algunos artistas como Jirõ Yoshihara o Sadamasa Motonaga, pertenecientes al movimiento Gutai, del Japón de posguerra.
 

Aquí dejo un link y varias imágenes:
 
Thomas Williams Fine art Gallery

Fuentes: Edward Gomez en el magazine “art on paper” Vol. 7, No. 6, Abril de 2003.
           Holland Cotter, New York Times, 16 de Septiembre de 2005

Paul Noble (Northumberland, 1963) ha fraguado un camino único e inconformista en la escena artística británica, a partir de su monumental proyecto “Nobson Newtown”, que describe una ciudad ficticia de mismo nombre a través de numerosos dibujos que representan lugares como el hospital Nobspital , el cementerio Nobsend o el centro del pueblo Nobson Central

A veces arquitecto, otras historiador social o cartógrafo, el artista se centra en el concepto de ciudad, en su metáfora cultural inseparable. Para ello empobrece la estética mediante una perspectiva axionométrica y la monocromía del grafito (nunca más blando que 3H), lo cual dota a las obras de un cierto aire post-apocalíptico. Muchas de sus construcciones-bloque son derivadas de NobFont, una tipografia geométrica creada por él.
 
Descubrí su obra hace ya unos 6 años en Londres, visitando una exposición de jóvenes artistas británicos. Allí me impactaron tanto los grandes formatos como el tratamiento contenido y minucioso que quizá haya heredado en algunos trabajos propios. Aquello me trajo a la memoria la Torre de Babel de Brueguel el viejo, y hoy, al retomar sus obras, pienso en Tomás Moro y su ciudad Utópica, en la importancia de imaginar nuevos lugares, en ser conscientes de que vivimos en ciudades imaginadas en algún momento por otros.
Merece la pena dedicar un rato observando esta sociedad paralela y extrañamente actual

A las 20.00 horas del pasado viernes tuvo lugar la entrega de premios del II Certamen de Dibujo Contemporáneo ‘Pilar y Andrés Centenera Jaraba, en el cual mi obra quedó finalista. La exposición colectiva que desde el viernes se podrá ver en la sala de exposiciones del ayuntamiento de Alovera está formada por los siguientes autores:
 
PRIMER PREMIO
Ignacio Manuel Bautista “Mutiu”
SEGUNDO PREMIO
José Luis Serzo
ACCÉSITS
Juan Zamora
Antonio Melo
SELECCIONADOS PARA EXPOSICIÓN Y CATÁLOGO:
Jacobo Castellano
Santiago Talavera
Adrián García Gutiérrez
Arturo Prins
 
Es una exposición muy recomendable, con piezas de alto nivel y muy representativas de las diferentes propuestas del dibujo contemporáneo.
La exposición tiene lugar en la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Alovera. (Guadalajara)
Plaza Mayor, 1. 19208 Alovera. Guadalajara – España
Teléfono: 949 27 52 60
 

Aquí tenéis una nueva obra: “Core”. Abrazos a todos.
 

Los mundos paralelos que David Thorpe lleva desarrollando desde mitad de los noventa incluyen dibujo, pintura, escultura, instalación, performance, textos en paredes y collage. Inventa mundos fantásticos, emplazados en paisajes sublimes, para comunidades altenativas imaginarias.
 
”Mi trabajo me ayuda a ver que todo es posible, que podemos trascender cualquier limitación.”
 
En sus obras vemos viviendas aparentemente futuristas en páramos alejados de la civilización. Los paisajes inmediatamente revelan referencias a artistas del siglo XIX como Caspar David Friedrich, o Albert Bierstadt y ofrecen una convincente re-interpretación de la mirada visionaria y sublime para el siglo XXI.
 
Laboriosamente construidos, los collages de Thorpe suelen llevar piezas de chapa, cortezas, cuero o flores secas; podemos ver diferentes niveles espaciales, desde papel de seda a materiales pesados, construyendo imágenes en las que la técnica y los materiales enlazan perfectamente con el contenido. Como él mismo apunta: Estas obras muestran cosas, pero podrían estar manufacturados por gente de estos mundos. Podrían ser el tipo de imágenes que se ven dentro de estos edificios.
 
Aquí dejo algunas imágenes de sus obras.
 

Aquí dejo una nueva obra. Abrazos.
 

 

Juegos postales, la iniciativa de María García-Ibáñez en colaboración con el Museo de Filatelia (MUFI) en Oaxaca, México, me comentaron sobre este maravillosos proyecto, que consiste en reunir muestras de arte postal de artistas de distintos países.

Estoy muy contento de poder compartir con vosotros el proyecto, titulado exquisito audiodiario, que junto a Christian Fernández Mirón y Peter Memmer he puesto en marcha durante estos últimos meses.
Inspirado en la técnica del cadáver exquisito, el motivo no es un dibujo sino una pieza musical de duración, estilo y rumbo desconocidos, resultante de correspondencias entre varios artistas.

¿Cómo funciona dicha correspondencia?
El que inicia el juego comienza la pieza musical y envía al siguiente participante sus últimos 5 segundos de duración, además de una libreta / diario donde se irá escribiendo o dibujando de manera libre mientras dure el proyecto. El segundo participante envía al tercero los 5 últimos segundos de su pieza sonora, y así indefinidamente hasta conformar una pista de audio.
En este enlace podréis escuchar el resultado
Con el material reunido de este y otros muchos proyectos se realizará una muestra en el MUFI, podéis conocer más sobre estos proyectos aquí:
www.artepostalmufi.blogspot.com
www.juegospostales.blogspot.com/

Aquí dejo el texto-entrevista que saldrá en el próximo número de 967 Arte. Al ser demasiado largo para el blog, dejo un enlace para que os lo bajéis en pdf.

Por Iván de la Torre Amerighi

Debo confesar que el primer encuentro con la obra de Santiago Talavera fue del todo casual. Visitando al común amigo José Luis Serzo en su estudio, al bajar un tramo empinado que giraba sobre su izquierda me topé, en la pared frontera, con una obra de grandes dimensiones que me atrajo sólo por lo que podía intuir, ya que estaba enteramente cubierta por plásticos translúcidos. Tras estos parecía bullir un minúsculo universo, fragmentado y proteico. Entonces no lo sabía, pero aquella obra era “La isla de los voraces”, tan importante por tantas y tantas cosas para la trayectoria del artista. Después me preocupé por buscar otras obras, ante las cuales me surgieron numerosas preguntas, que pronto le trasladé al artista utilizando el dinamismo y versatilidad que nos permitía internet. Lo que sigue es una relación de preguntas, respuestas y reflexiones sobre unas y otras:

- Observando tus obras, es apreciable que existe una diferencia muy sutil, por no decir casi imperceptible, en la forma de entender indistintamente dibujo y pintura. De hecho la primera vez que vi “La Isla de los voraces” bajo los plásticos que la envolvían pensé que me encontraba ante una pieza con entidad de lienzo de gran formato. ¿Por qué crees que sucedió esto?

- Disfruto pintando como dibujante y dibujando como pintor. Intento que se diga que un cuadro es un cuadro por estar trabajado sobre tabla o lienzo, aunque el resultado tenga la plasticidad propia del dibujo. En algunos casos como el que comentas, el papel me permite mayor versatilidad para plasmar procesos largos y complejos, lo que provoca un pequeño cambio de roles. Sigue habiendo en torno al dibujo y la pintura ciertas ideas establecidas: resulta extraño que un cuadro sea el boceto para un dibujo, o que en una exposición un dibujo eclipse al resto de obras.

Pintar como un dibujante y dibujar como un pintor. ¡Qué certera definición! Si analizamos atentamente unos y otros, no será difícil descubrir la utilización poco ortodoxa pero muy efectiva –por ejemplo- del óleo sobre el papel mientras, por el contrario, se recrea en la abundancia de la línea y la textura sobre los lienzos.

- Hay un placer que no escondes pero que utilizas muy sutilmente: el enfrentamiento de realidades divergentes, diferidas, o, más concretamente, la inclusión en una escena en ‘apariencia’ ortodoxa de un elemento discordante y paradójico que nos obliga a variar nuestras nociones de certeza. ¿Cuál es la finalidad?

 
Descarga el texto completo en PDF
 
(más…)

En los sueños de I Ming hay una caseta pagoda desde la cual poder observar un contínuo amanecer, un sombrero cuyo interior custodia constelaciones, incluso él mismo se sorprende al verse tan alto como una montaña. Blinky Rotred, amigo y admirador de su capacidad de romper la línea entre realidad e imaginación, nos invita a la habitación del prodigioso niño, residente en una humilde aldea cerca de Shangai.

José Luis Serzo profundiza en uno de sus proyecto-relatos más recientes: Los sueños de I Ming, el pequeño amarillo, guiándonos al manantial de fantasía de uno de sus personajes más peculiares. Óleos de diverso formatos, vídeo-esculturas y dibujos englobados en una instalación íntima y llena de alusiones a la sabiduría oriental, cine de ciencia ficción y la literatura.

Siempre consciente del peligro de su propuesta hoy en día, Serzo camina firme en su defensa de la imaginación expansiva como vía de conocimiento y transformadora del entorno. Crítico con la voluntad desmoralizadora y la oscuridad de ciertas élites imperantes, el compromiso y valentía de su trabajo logran contagiar a iniciados y entendidos.

Por desgracia tan sólo quedan unos pocos días para el cierre de su exposición en Galería Blanca Soto. A quienes todavía no hayáis ido, os animo a que os paséis hasta el sábado 25.

Aquí dejo el enlace a su web:

Web
 
Galería Blanca Soto Arte
Horario:
Martes – Viernes 10:00-14:00 / 17:00-20:00
Sabado – 10:00-17:00
 

Algo más se necesita para que ciertas cosas nos convenzan lo bastante para hacernos cambiar de actitud y de conducta. Eso es lo que hace el “lengaje onírico”. Su simbolismo tiene tanta energía psíquica que nos vemos obligados a prestarle atención
 
Carl G. Jung
 
Cuando me encuentro con una obra de Jesús Zurita siempre revivo sensaciones de la infancia. Muchas de ellas tienen que ver con los delirios que en más de una ocasión tuve, debidos a las altas fiebres. En aquellos fascinantes episodios daba lo mismo cerrar o abrir los ojos, todo estaba cargado de una extrañeza sensual y afligida. Eran breves iniciaciones al arte, momentos para especular con el sueño y la imagen. Puertas al otro mundo.
 
Cuando miraba los lienzos de Zurita en su reciente muestra en el CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente), pensaba en Jung. Según él nadie puede interpretar nuestros sueños o las figuras derivadas de los mismos. La ambigüedad y la vagancia son parte de su expresión, por lo que nos guste o no, sólo nos queda percibirlas con la conciencia psíquica de la que están hechas: imaginación. De nada nos serviría intentar aprehenderlas mediante el mundo sensorial.
 
En su obra más reciente, titulada Destemplanza, Jesús Zurita opera en nuestro mundo racional, decapando mediante delgadas líneas, bloques oscuros, sudores fríos, dáimones, humos alquímicos, rocas o superficies irrealizables. La espacialidad de su pintura tensa lo geométrico y lo orgánico, delicadeza oriental escondida y síntesis conceptual. Conforme nos adentramos en sus cuadros “sospechamos” su mundo onírico y descubrimos el Poder de una obra sutil, arriesgada y de una densa carga simbólica.
 
No lo voy a negar: me fascina su pintura. En la inauguración además tuve la suerte de conocerle. Os recomiendo acercaros por su exposición, que estará abierta hasta el 17 de mayo.
 
CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente)
Calle Leganés, 51.
Horario de las exposiciones:
De lunes a sábado de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 21.00 horas.
Domingos y festivos de 17.00 a 21.00 horas.
 
 

Aquí dejo una nueva obra titulada el mundo de aquel lado. junto con una cita que acompaña estupendamente.
 

El carácter destructivo es el enemigo del hombre-estuche. El hombre-estuche busca su comodidad y la médula de ésta es la envoltura. El interior del estuche es la huella que aquél ha impreso en el mundo envuelta en terciopelo.
 
Walter Benjamin “Discursos Interrumpidos I”, (Taurus Ediciones-1982)

Camino por un desayuno que es un campo de golf, que es una isla, que es un jardín del edén donde la maleza de filigrana descubre tesoros de mentira.
 
Disfruto de un paseo con elipsis y apenas me doy cuenta, pero cada vez que retorno al sendero tengo un tamaño diferente, quizás si muerdo ese dónut vuelva a mi tamaño de siempre. ¿Pero quién lo desea? Mejor no resistirse y dejarse llevar por la fuerza de lo suave o esta pesadilla de azúcar.
 
Graciela García. Que el destino de las cosas se decida en lugares pequeños. 2009

Escribo para comunicaros que hasta el próximo 30 de diciembre participo en Paisajes imaginarios, exposición colectiva temática en la cual se pretende dar una oportunidad al la cara más imaginativa y creativa del género del paisaje. Entre los artistas participantes están habituales de la galería: Dis Berlín, José Luis Mazarío o Emilio González Sainz, junto a algunos que ya mantuvieron una vinculación con Siboney como Guillermo Pérez Villalta o Charris.
 
A quienes podáis acercaros, aquí dejo un enlace al sitio web de Galería Siboney.
 
Galería Siboney

C/Castelar, 7
(942) 31 10 03
39004 Santander

 
Noticia en El diario montañés
 
Noticia en Artfacts
 
Vídeo
 

Una nueva pieza ha salido del estudio. Espero que os guste.
 

 

Fernando Renes centra su obra en el dibujo y la animación, los cuales trazan un mundo difícil de definir, de una pasmosa planitud. Como Octavio Zaya describe en Vitamin D, Sus dibujos son lo que son. No hay “alegoría”, ni “metáfora”, ni ironía en ellos (…) no necesitas traducirlos, tan sólo leerlos.
 
Tanto sus acuarelas como sus videoanimaciones parecen ser guiadas por los pensamientos aleatorios y a veces banales de su vida onírica, que al ser dibujada con espontaneidad acaban conectando con esos momentos límite entre la clarividencia y el absurdo que todos experimentamos a veces.
 
A continuación os dejo algunos de sus trabajos: