El pasado miércoles una estantería repleta de material de pintura se desplomó, rompiendo el espacio por completo y casi cortando el aire con el sonido agudo y estrepitoso de cientos de cacharros golpeándose.

Algo extraño ocurrió durante aquellos dos o tres segundos; después yo y mi estudio nos convertimos en un papel en blanco porque nada parecía casual. Aquel montón de objetos arrojados contra el suelo no eran un inconveniente sino un rastro a seguir.

Algunas de las piezas en las que estoy metido estos últimos meses muestran grandes aglomeraciones de objetos. Montones de libros, cajas, comida y plantas, acumuladas a veces en espacios delicados. En el espacio donde trabajo siempre ha existido una fuerte necesidad de orden, constantemente quebrada por un profundo desagrado hacia la misma. Y debe ser así para mantener las correas tensas, los músculos tirantes. Pero nunca pensé en mi estudio como un ser vivo que adopta todos los días mis proyectos o deseos no siempre alcanzados, ni por supuesto que pudiera delatar algunos excesos.

El otro día mi estudio cogió su propio grafito y trazó un dibujo salvaje. Un ready made canalla que decidió no sólo el curso del día, sino el de algunas obras que pedían desde hace tiempo un atropello.

Las esculturas de Curro Ulzurrun. que pude disfrutar en su última exposición “Todo es aire” (acondicionado)” en galería Metta son construcciones a base de ramas, plumas, cartones, nidos de pájaro y demás materiales, que dibujan un mundo precariamente sutil, primitivo y orgánico.

En este característico equilibrio saltan las alegorías y metáforas de un modo inesperado y con mucho sentido del humor. Hay un fuerte sentido lírico enredado en cada pieza, y algo también motivador para todo el que cuide su lado creativo; quizás un soplido de fuente imaginativa inagotable que te lanza a la calle en búsqueda de ese objeto a la espera de un nuevo uso.

 
A continuación os dejo algunos de sus trabajos:
 
 

Annea Lockwood Es una compositora con una sensibilidad inusual hacia el potencial poético del sonido, particularmente la rica e impredecible naturaleza de su lado más acústico. Su trabajo mezcla sonido con movimiento e imágenes para crear exploraciones filosóficas y sensuales del mundo natural.
 
En 2005 completó A sound Map of the Danube River, disco que llegó a mis manos por casualidad y cuya escucha nos traslada a diferentes lugares del recorrido del río. Con ello Annea Lockwood realizó su proyecto más ambicioso: un mapa sonoro del río Danubio. Éste mezcla los diversos sonidos captados por múltiples micrófonos, además de reflexiones y recuerdos de los lugareños. De este modo fluyen las grabaciones acuáticas, diferentes lenguas e historias sobre la relación de la gente con el río.
 
 

Tengo que reconocer que la espera ha sido en ocasiones ardua, pero tras dejar atrás la sequía las perspectivas han cambiado radicalmente. Viendo las nuevas obras que comienzan a poblar mi estudio, incluso los peores momentos parecen haber sido necesarios para conformar este gran mapa.
 
En estos nuevos trabajos abunda el papel en diversos formatos, pero la pintura sigue teniendo un papel crucial. Casi parecen pinturas dibujadas y dibujos pintados. Espero muy muy pronto ir subiendo fotografías a la sección de obra gráfica.
 
¡Saludos!

Thomas y Wiebke es el título del último proyecto de Ángel Masip, además de los nombres de quienes compartieron con él la captura de las imágenes. Estos escenarios, desconocidos y a la vez comunes para todos, nos devuelven a la búsqueda de una visión auténtica a través del paisaje, en la cual los recursos juegan en favor de transmitir la intensidad vivencial y emocional de cada lugar.
 
En esta búsqueda, las referencias al mundo del diseño de su obra anterior parecen reducirse. Pese a lo interesante de la propuesta, éstas podían leerse como una paradoja de la relación artificial que a veces los artistas tenemos con las imágenes que “manipulamos” (“un muro de ceros y unos”, como me gusta decir) y me hace pensar que quizás es inevitable, incluso para el más contemporáneo de los paisajistas, probar a deshacerse de artificios y construir a partir de la memoria más visceral. Esa en la que la fotografía se mezcla con la proyección del recuerdo del lugar y hace que ninguno de esos sitios vuelva a ser el mismo después de nuestra visita.
 

Fernando Renes centra su obra en el dibujo y la animación, los cuales trazan un mundo difícil de definir, de una pasmosa planitud. Como Octavio Zaya describe en Vitamin D, Sus dibujos son lo que son. No hay “alegoría”, ni “metáfora”, ni ironía en ellos (…) no necesitas traducirlos, tan sólo leerlos.
 
Tanto sus acuarelas como sus videoanimaciones parecen ser guiadas por los pensamientos aleatorios y a veces banales de su vida onírica, que al ser dibujada con espontaneidad acaban conectando con esos momentos límite entre la clarividencia y el absurdo que todos experimentamos a veces.
 
A continuación os dejo algunos de sus trabajos:
 
 

Hoy traigo la obra de un artista británico cuya obra me interesa por su manera de acercarse al paisaje. Influenciado por conceptos post minimalistas generalmente aceptados por nuestro modo de vida y cultura, Blaise Drummond utiliza espacios arquitectónicos de van der Rohe o Le Corbusier como lugares para una existencia idealizada.
 
En sus obras se puede percibir esa ya tenue relación entre naturaleza y cultura, en la que ha desaparecido la generosidad natural y la vista se fija en lo que importa allí según nuestros patrones de modernidad. Campos de cricket, zonas de picnic, bosques y vistas panorámicas como parajes áridos, no exentos de belleza, donde cada elemento parece flotar en un equilibrio inestable.
 
La visión precisa y refinada de Blaise Drummond nos permite reflexionar acerca de nuestra artificial y procesada relación con nuestro entorno, siempre con una distante y gélida mirada hacia un nuevo comienzo.
 
 
 

Hola a todos, después de mucho tiempo.
Escribo esta entrada para dar señales de vida, para no perderos del todo a aquellos que de vez en cuando os paseáis por aquí.
Actualmente estoy reconfigurando toda mi web, que agrupará tanto el blog como las secciones de obra plástica y demás cosas (que por otra parte va siendo hora de tener definitivamente presentado). Por ello todo está distinto.
Estos días estoy asistiendo a un taller muy interesante sobre creación de interfaces con sensores básicos. Es en el Patio Maravillas, que me pilla al lado del estudio, y lo organiza el Aula de propulsión escópica, un colectivo independiente que desde el pasado verano monta exposiciones y residencias breves para artistas.
Es un mundo nuevo para mí, y tengo la sensación de que puede aportar nuevas perspectivas en algunas obras que tenía olvidadas y nunca llegué a realizar por desconocimiento técnico. Los resultados pronto por aquí… :)
Saludos nocturnos

Tan sólo me hizo falta leer la entrevista en el pasado suplemento dominical de El País a Philipp Fröhlich para saber que debía acercarme a la galería Soledad Lorenzo. Allí es donde el artista alemán, afincado en Madrid desde 2002, expone hasta el 5 de enero un conjunto de témperas de gran y medio formato aglutinadas con el título “Beachy head”.

El artista fija su atención en sucesos encontrados a través de diferentes medios: literatura, fotos viejas, noticias.. los cuales le llevan a realizar maquetas que luego traslada al lienzo. Estas maquetas, en sus propias palabras, le sirven como “muletas” en las que apoyarse, además de permitirle juegos de iluminación específicos e imposibles en condiciones normales, que sin duda dotan a sus imágenes de una plasticidad muy sugerente.

El halo simbolista y fantástico que pintores actuales como Peter Doig parecen querer avivar y una pincelada metódica pero suelta que inevitablemente recuerda al puntillismo (en su versión más estridente), contribuyen al disfrute de estos enigmáticos escenarios. Una exposición muy recomendable

De nuevo me doy un paseo por mi blog. Ya tenía ganas.. :)
Christian me enseñó hace una semana el trabajo de la artista Sally Moore, y desde el primer vistazo sus obras me engancharon. Sus delicadas esculturas representan mundos minúsculos, estructuras que, en un milagroso equilibrio, nos sitúan entre el conflicto y la fragilidad, pequeños escenarios efímeros y en alegre decadencia.

En Internet he encontrado poca información sobre ella. Podéis ver más cosas aquí: barbara krakow gallery

“Lo terrible está encerrado en lo bello, lo mismo que lo bello en lo terrible. La vida está involucrada en esta contradicción, grandiosa hasta llegar al absurdo, una contradicción que en el arte aparece como unidad armoniosa y dramática a la vez”.
Tarkovsky

Hoy me he levantado todavía conmovido por una película que ayer vimos: Stalker. Y la sensación de haber estado expuesto a una obra maestra, a imagenes y momentos inolvidables que, como decía Rafa al acabar la película: Tengo que asimilarlos durante estos próximos días.

Porque el film, de un ritmo lento, va escarbando y descubriéndonos un viaje de insólita belleza, que tantea nuestra naturaleza y lanza conflictos morales a sus personajes: el escritor y el profesor, seres débiles e insignificantes que pueden hallar cosas muy desagradables en un camino recóndito y cada vez más profundo.

Pese a que Stalker es considerada una película de ciencia ficción, ésta etiqueta no se acerca ni de lejos al terreno que Tarkovsky quiere abarcar. El rodeo de Stalker, con el pretexto de la búsqueda de la Zona, y más adentro de la “habitación” donde se cumplen nuestros deseos más íntimos, es un camino al tuétano metafísico de nuestra existencia, un destello fugaz y casi imperceptible del volcán que hay debajo de cada objeto.

The royal art lodge es un grupo de artistas canadiense que, desde 1996 y con diversos cambios en su formación, se reune todos los miércoles para trabajar de forma conjunta. Actualmente está formado por Michael Dumontier, Marcel Dzama y Neil Farber, y la galería Espacio Mínimo expone hasta el 20 de Octubre su primera muestra individual en España.
El resultado: pinturas de ejecución rápida y a menudo infantiles cuyo visionado, siempre rozando una línea absurda entre lo inocente y lo perverso, da un sentido global del trabajo y la aportación de cada uno de los integrantes.

Entre las fotos que adjunto he incluido varias de su estudio, ya que para mí lo refrescante de descubrir trabajos conjuntos como éste es imaginar otras maneras posibles de plantear un proyecto, y el lugar de trabajo da muchas pistas..

El otro día caminaba por Noviciado, y me quedé quieto fijándome en el cierre pintado de una frutería. Un mural muy colorido y delirante con un estilo único: el de 3ttman.

Éste artista francés está reviviendo las fachadas de buena parte de nuestras calles, y está consiguiendo devolverme el gusto por el buen graffiti. A diferencia de los horribles tags y demás firmas y meadas territoriales, el estilo de 3ttman tiene gran inventiva, un mundo propio y, según cuenta en esta entrevista, una gran vitalidad y ganas de hacer cosas.

Encima de éstas líneas dejo varias imagenes de sus trabajos..
Buenas nochesss :)

Hola!

Tras meses y meses (quizá demasiados) de quita y pon, “puesyaques..” y retoques infinitos, por fin puedo decir que arturoprins.com, la web en la que Arturo y yo hemos puesto tanta ilusión, está online.

La idea inicial era crear un sitio web que recreara el universo de Arturo, una casa donde él se sintiera cómodo mostrando y compartiendo; para ello había que adaptar el lenguaje web a algunas cosas que él me pedía, a priori bastante poco digeribles para un navegador medio: todo tipo de bichitos y partículas revoloteando, botones de esmeralda y amatista, pagodas que se evaporan al pasar el ratón por encima.. Yo estoy muy contento con el resultado.

Ah! Y en la esquina superior derecha tenéis la banda sonora que hice para su última exposición, y que he metido como fondo sonoro. Podéis cambiar de canción en los botones de colores que salen tras desplegar el menú.

Espero que os guste! ;P

Hola!
Tras un gran esfuerzo y dedicación Mirador 07 abrió puertas el pasado sábado a las 20:00.

El calor y la gran afluencia de gente (”Miradores” y “desviados” de la obra de teatro que tení­a lugar en Teatro Español) me descolocó un poco al principio; Las naves son tan grandes que me sentí­ un poco desbordado, incapaz de acaparar o intuir todo lo que allí­ estaba ocurriendo. Caras, muchas caras conocidas y tiempo para poco más que un apretón de manos o una sonrisa y un beso; tardé un rato en quedarme parado durante unos instantes, coger aire y decirme: - Santi, esto es muy grande y no conseguirás abrazarlo así­ que trata de disfrutar de la gente que encuentres, déjate llevar o la cabeza te dará muchas vueltas. Tras esto decidí­ relajarme y zambullirme en la instalación sonora de “En busca del pasto”, donde Dani, Rafa, Rocí­o y David entre otros buscaban su hueco en el vaivén de caos sonoro. La propuesta fue muy bien acogida, y los componentes del grupo me confesaban estar abrumados por la participación. Antes incluso de poder tocar todos juntos, tres o cuatro miembros de una familia entraron en el “local” tomando las riendas de la actuación, convirtiendo por momentos a los músicos en público.. increí­ble.

En la nave de las instalaciones el aire corrí­a de otra forma. Los artistas comentaban las obras con sus conocidos y amigos, y se formaban interesantes “monstruos”, o lo que me gusta denominar “variopinto grupo de gente hablando, formado por tu madre, tus compañeros de estudio, un artista y su padre, dos antiguos amigos, sus primos y tu novia”. Son cosas que tan sólo ocurren en estas ocasiones; a veces es como tomar leche con un filete de ternera.

Bueno, antes de irme a dormir quiero mandar un saludo a todos los que acudí­steis a la cita; espero que la experiencia fuera positiva, y veros por Matadero durante los próximos dí­as. Recordad que durante los fines de semana habrá cositas… www.miradores.org

En Mirador 2007 Hisae Ikenaga presentará una pieza pensada para el espacio de Matadero, que consistirá en una intervención en los paneles de cristal de la nave principal.
Para no dar más pistas e ir abriendo apetito para la muestra, aquí­ dejo algunas fotos de sus trabajos recientes, y alguna reflexión:

Pese a haber estado en contacto indirectamente con su obra desde hace unos años, no es sino ahora, aprovechando Mirador 07, cuando más estoy prestando atención a la obra de esta artista residente en España, aunque procedente de México.

En su obra, caracterizada por un tratamiento manual y delicado de diferentes medios y disciplinas, hay todo tipo de objetos: desde cachivaches de mercadillo hasta una mesa o un coral. Todos le sirven para establecer una comunicación con el material que toma forma en diferentes reflexiones sobre los procesos y la creación contemporánea.

Aunque sus obras admiten diversos acercamientos, invitando su apariencia a una experiencia directa y libre de conceptualismos, lo cierto es que lanzan paradojas sobre la intimidad, la memoria o el papel simbólico de los objetos. Es el caso de su uso de la personificación en “Mesa dormida” (2007), obra que me conmovió inmediatamente por su sencillez y fuerza literaria, o “Mitosis de rueda” (2007), también perteneciente a su última exposición en el Instituto de México en España.

Correspondencia es el proyecto que Sef presentará en mirador 07.
Una canción a cambio de un sobre es el trato. Estoy impaciente por ver los resultados…
Ya sabéis: del 7 al 21 de Julio :)

“A quien corresponda.

Tienes en tus manos la primera parte de una canción. Si metes algo en este sobre y lo enví­as a la dirección escrita en el exterior antes del 31 de mayo de 2007, yo continuaré el proceso, esribiendo una canción inspirada en lo que me enví­es. Un futuro incierto pero seguro.

A mediados de Julio habrá una muestra como perte del festival Mirador, en el antiguo matadero de Madrid, en la que podrás oir los resultados del proyecto. Una canción por un sobre es el trato. Este proyecto se llama Correspondencia. Si me das tu dirección, te enviaré un disco con todas las canciones que resulten, una vez finalizada. Para seguir el proyecto o enterarte de la fecha exacta de la muestra, incluye tu e-mail en el enví­o.

Gracias,
Sef.”