Paul Noble (Northumberland, 1963) ha fraguado un camino único e inconformista en la escena artística británica, a partir de su monumental proyecto “Nobson Newtown”, que describe una ciudad ficticia de mismo nombre a través de numerosos dibujos que representan lugares como el hospital Nobspital , el cementerio Nobsend o el centro del pueblo Nobson Central

A veces arquitecto, otras historiador social o cartógrafo, el artista se centra en el concepto de ciudad, en su metáfora cultural inseparable. Para ello empobrece la estética mediante una perspectiva axionométrica y la monocromía del grafito (nunca más blando que 3H), lo cual dota a las obras de un cierto aire post-apocalíptico. Muchas de sus construcciones-bloque son derivadas de NobFont, una tipografia geométrica creada por él.
 
Descubrí su obra hace ya unos 6 años en Londres, visitando una exposición de jóvenes artistas británicos. Allí me impactaron tanto los grandes formatos como el tratamiento contenido y minucioso que quizá haya heredado en algunos trabajos propios. Aquello me trajo a la memoria la Torre de Babel de Brueguel el viejo, y hoy, al retomar sus obras, pienso en Tomás Moro y su ciudad Utópica, en la importancia de imaginar nuevos lugares, en ser conscientes de que vivimos en ciudades imaginadas en algún momento por otros.
Merece la pena dedicar un rato observando esta sociedad paralela y extrañamente actual

A las 20.00 horas del pasado viernes tuvo lugar la entrega de premios del II Certamen de Dibujo Contemporáneo ‘Pilar y Andrés Centenera Jaraba, en el cual mi obra quedó finalista. La exposición colectiva que desde el viernes se podrá ver en la sala de exposiciones del ayuntamiento de Alovera está formada por los siguientes autores:
 
PRIMER PREMIO
Ignacio Manuel Bautista “Mutiu”
SEGUNDO PREMIO
José Luis Serzo
ACCÉSITS
Juan Zamora
Antonio Melo
SELECCIONADOS PARA EXPOSICIÓN Y CATÁLOGO:
Jacobo Castellano
Santiago Talavera
Adrián García Gutiérrez
Arturo Prins
 
Es una exposición muy recomendable, con piezas de alto nivel y muy representativas de las diferentes propuestas del dibujo contemporáneo.
La exposición tiene lugar en la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Alovera. (Guadalajara)
Plaza Mayor, 1. 19208 Alovera. Guadalajara – España
Teléfono: 949 27 52 60
 

David Hockney tiene 72 años y mantiene impolutos el entusiasmo y el empeño que en los 80 le llevó a trabajar con las fotocopiadoras o el fax y, recientemente, en su exposición en Londres titulada Drawing In a Printing Machine, muestra sus obras digitales creadas con una tableta gráfica y un iPhone, utilizando Brushes

Son 28 obras, ente retratos de familiares y amigos y paisajes de la campiña de Yorkshire que han convencido y generado críticas, sobre todo entre quienes se resisten a avalar que las nuevas tecnologías reemplacen a las técnicas tradicionales

Hockney se deleita con la sencillez de esta nueva herramienta, pese a los numerosos años llevado libretas en los bolsillos, además de pasteles, grafitos y botes de acuarela:
 
“Está ahí, siempre en mi bolsillo, no hay que retorcerse ni mezclar para conseguir el color deseado. Te puedes poner a trabajar inmediatamente, lo cual proporciona una inmediatez y frescura al trabajo; y cuando se acaba, lo mejor de todo, no hay desorden, ni que limpiar. Tan sólo apagas el aparato.[...]“

En estos días de alboroto por la nueva ley de propiedad intelectual, en los que volvemos a plantearnos la legitimidad de la reproduccion, me pregunto si a Hockney se le habrá ocurrido ofrecer los archivos digitales de sus nuevas obras por la red, para que podamos descargarlas e imprimirlas. Pensándolo mejor, es cierto que no sería el primero, y a él no le hace falta algo así para lograr la atención mediática
 
Web del artista
Aquí dejo algunas imágenes:
 
Fuentes: vectoralia, El País
 

Aquí tenéis una nueva obra: “Core”. Abrazos a todos.
 

 
Un documento del pasado 17 de septiembre en las visitas a estudios Desvelados 09.
 
Ricardo Alcaide | Adrián García | Hisae Ikenaga | Santiago Talavera | Paula Rubio.
 
Noticia en RTV.es

¡¡¡La Noche de los Creadores Vivientes!!!
 
Luis Úrculo | Julian Oliver | PKMN | José Luis Serzo | Darío Peña | Santiago Talavera | Husos | UHF | Guillero Mora | Busto Bocanegra
 
Los autores seleccionados por Iván López Munuera para el archivo de creadores de Madrid estaremos este viernes contando nuestro trabajo, a las 20:00 horas en Matadero Madrid.
 
Matadero Madrid TERRARIO
Paseo de la Chopera, 14 Madrid
Metro Legazpi
www.mataderomadrid.com

Mi trabajo ya forma parte del Archivo de creadores de Madrid, seleccionado por Iván López Munuera.
 
Web del Archivo de creadores
 
 
 

Los mundos paralelos que David Thorpe lleva desarrollando desde mitad de los noventa incluyen dibujo, pintura, escultura, instalación, performance, textos en paredes y collage. Inventa mundos fantásticos, emplazados en paisajes sublimes, para comunidades altenativas imaginarias.
 
”Mi trabajo me ayuda a ver que todo es posible, que podemos trascender cualquier limitación.”
 
En sus obras vemos viviendas aparentemente futuristas en páramos alejados de la civilización. Los paisajes inmediatamente revelan referencias a artistas del siglo XIX como Caspar David Friedrich, o Albert Bierstadt y ofrecen una convincente re-interpretación de la mirada visionaria y sublime para el siglo XXI.
 
Laboriosamente construidos, los collages de Thorpe suelen llevar piezas de chapa, cortezas, cuero o flores secas; podemos ver diferentes niveles espaciales, desde papel de seda a materiales pesados, construyendo imágenes en las que la técnica y los materiales enlazan perfectamente con el contenido. Como él mismo apunta: Estas obras muestran cosas, pero podrían estar manufacturados por gente de estos mundos. Podrían ser el tipo de imágenes que se ven dentro de estos edificios.
 
Aquí dejo algunas imágenes de sus obras.
 

Aquí dejo una nueva obra. Abrazos.
 

 

Clarence Schmidt nacio en 1897 en Queens, Nueva York. A los 31 años se mudó a una propiedad heredada en Woodstock, donde comenzó a construir su propia cabaña, llamada Journey’s end, que a finales de los sesenta se había transformado en una estructura de siete pisos con rampas, balcones y azoteas ajardinadas. Schmidt se refería a la cabaña original como su sanctum interior, y a los jardines como su esperanza reflejada.

La enorme casa era un laberinto de pasadizos conectando espacios cubiertos de capas de aluminio, pintura, flores, madera y fragmentos de espejo. Schmidt repavimentó la casa con metal sobre alquitrán y añadió cuerdas de aluminio. Afuera, las ramas de arbustos y árboles eran también envueltas en papel plata, y en el área llamado el callejón iban apareciendo pequeños santuarios y grutas; eran especialmente inquietantes aquellos que incorporaban máscaras de goma, pies y manos.

Tras un incendio que se lo llevó todo, y una segunda construcción (The Mark II) que desapareció de igual forma, durante los siguientes veinte años tan solo algunos restos de máscaras y añadidos de su hijo Michael permanecieron en el lugar.

Fuente: Clarence Schmidt: Toward Journey’s End by Gregg Blasdel and Bill Lipke

Hoy las imágenes de esta Casa de espejos brillan intensamente, y quizás saber que ya no existe aviva todavía más la fábula. Dejo aquí debajo algunas imágenes.

AVAM organiza un circuito de visitas a 5 estudios de artistas y colectivos artísticos de Madrid para ser visitados por agentes de mediación cultural representativos del sector: comisarios, gestores culturales, galeristas y periodistas especializados, todos ellos elegidos en función de su trayectoria, vinculación e interés por las artes visuales. La visita se llevará a cabo durante la jornada del 17 de septiembre de 2009. AVAM contribuye con esta iniciativa al proyecto La Noche en Blanco de Madrid, promovido por el Ayuntamiento de esta ciudad a través del Área de las Artes.

Juegos postales, la iniciativa de María García-Ibáñez en colaboración con el Museo de Filatelia (MUFI) en Oaxaca, México, me comentaron sobre este maravillosos proyecto, que consiste en reunir muestras de arte postal de artistas de distintos países.

Estoy muy contento de poder compartir con vosotros el proyecto, titulado exquisito audiodiario, que junto a Christian Fernández Mirón y Peter Memmer he puesto en marcha durante estos últimos meses.
Inspirado en la técnica del cadáver exquisito, el motivo no es un dibujo sino una pieza musical de duración, estilo y rumbo desconocidos, resultante de correspondencias entre varios artistas.

¿Cómo funciona dicha correspondencia?
El que inicia el juego comienza la pieza musical y envía al siguiente participante sus últimos 5 segundos de duración, además de una libreta / diario donde se irá escribiendo o dibujando de manera libre mientras dure el proyecto. El segundo participante envía al tercero los 5 últimos segundos de su pieza sonora, y así indefinidamente hasta conformar una pista de audio.
En este enlace podréis escuchar el resultado
Con el material reunido de este y otros muchos proyectos se realizará una muestra en el MUFI, podéis conocer más sobre estos proyectos aquí:
www.artepostalmufi.blogspot.com
www.juegospostales.blogspot.com/

Aquí dejo el texto-entrevista que saldrá en el próximo número de 967 Arte. Al ser demasiado largo para el blog, dejo un enlace para que os lo bajéis en pdf.

Por Iván de la Torre Amerighi

Debo confesar que el primer encuentro con la obra de Santiago Talavera fue del todo casual. Visitando al común amigo José Luis Serzo en su estudio, al bajar un tramo empinado que giraba sobre su izquierda me topé, en la pared frontera, con una obra de grandes dimensiones que me atrajo sólo por lo que podía intuir, ya que estaba enteramente cubierta por plásticos translúcidos. Tras estos parecía bullir un minúsculo universo, fragmentado y proteico. Entonces no lo sabía, pero aquella obra era “La isla de los voraces”, tan importante por tantas y tantas cosas para la trayectoria del artista. Después me preocupé por buscar otras obras, ante las cuales me surgieron numerosas preguntas, que pronto le trasladé al artista utilizando el dinamismo y versatilidad que nos permitía internet. Lo que sigue es una relación de preguntas, respuestas y reflexiones sobre unas y otras:

- Observando tus obras, es apreciable que existe una diferencia muy sutil, por no decir casi imperceptible, en la forma de entender indistintamente dibujo y pintura. De hecho la primera vez que vi “La Isla de los voraces” bajo los plásticos que la envolvían pensé que me encontraba ante una pieza con entidad de lienzo de gran formato. ¿Por qué crees que sucedió esto?

- Disfruto pintando como dibujante y dibujando como pintor. Intento que se diga que un cuadro es un cuadro por estar trabajado sobre tabla o lienzo, aunque el resultado tenga la plasticidad propia del dibujo. En algunos casos como el que comentas, el papel me permite mayor versatilidad para plasmar procesos largos y complejos, lo que provoca un pequeño cambio de roles. Sigue habiendo en torno al dibujo y la pintura ciertas ideas establecidas: resulta extraño que un cuadro sea el boceto para un dibujo, o que en una exposición un dibujo eclipse al resto de obras.

Pintar como un dibujante y dibujar como un pintor. ¡Qué certera definición! Si analizamos atentamente unos y otros, no será difícil descubrir la utilización poco ortodoxa pero muy efectiva –por ejemplo- del óleo sobre el papel mientras, por el contrario, se recrea en la abundancia de la línea y la textura sobre los lienzos.

- Hay un placer que no escondes pero que utilizas muy sutilmente: el enfrentamiento de realidades divergentes, diferidas, o, más concretamente, la inclusión en una escena en ‘apariencia’ ortodoxa de un elemento discordante y paradójico que nos obliga a variar nuestras nociones de certeza. ¿Cuál es la finalidad?

 
Descarga el texto completo en PDF
 
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El pasado jueves pude ver la exposición de Clare Woods en Galería Pilar Parra & Romero. Ante sus obras, pinturas esmaltadas sobre aluminio, rápidamente nos vemos envueltos por una atmósfera oscura y poética. Los lugares que la pintora británica nos presenta son arboledas, pozas y bosques perdidos, vistas nocturnas o frondosidades a las que la luz diurna no puede acceder. Cemetery Bends, obra que da título a la exposición, sugiere una apertura a lo desconocido desde una bajada que nos saca de cualquier camino o carretera.
 
Si bien la fotografía tiene un papel importante en su método de trabajo, es la tensión entre control y azar lo que me atrae de su pintura. El cálculo de cada una de las manchas convierte lo aparentemente gestual en una compleja escenografía donde las alusiones al simbolismo, el folclore inglés y una cierta mirada ascética de la naturaleza me atraparon desde el primer instante.
 

Hace ya un par de años descubrí la obra de Jaume Pitarch. Fue en la galería Spencer Brownstone de Nueva York, y me quedé enganchado por su sencillez y aguda intuición. Vídeos, fotografías e instalaciones que hablan por sí mismos. Objetos que parecen presentados tras haber llevado al límite su significado y utilidad.
 
“Intento no crear nuevos objetos artísticos, sino incidir sobre la realidad existente, o sobre el desbordante stock de producción material diversa que ya nos sobrepasa.”
 

Más tarde vi el vídeo Dust to dust, en el que el propio Jaume barre el suelo de un almacén abandonado. La nube de polvo que se levanta es tan densa que acaba por hacerle desaparecer hasta que, habiendo caido dicha nube y recuperada la nitidez, el artista repite una y otra vez su acción. Pitarch realiza acciones triviales; no añade prácticamente nada a los objetos que trabaja salvo alguna alteración de sus elementos y, sin embargo, alcanza el hecho poético. Sus obras parten de supuestos conceptuales pero el recuerdo que dejan es tierno, actual y reflexivo.

 
Web del artista

Aquí debajo dejo una seleción de obras.

Todas las personas tienen su doble, dice el mito del Doppelgänger. En algunas leyendas, ver el propio Doppelgänger es un augurio de muerte. Quizás una forma como muchas otras de superstición, o una erupción del arquetipo del doble, pero la idea de que haya alguien igual que nosotros, un Alma gemela en alguna parte del mundo, es muy seductora.
 
Hace tiempo que no dedico una entrada de mi blog a una película. La doble vida de Verónica, de Kieslowski, me ha dejado aturdido. Es la primera vez que veo una película del gran director polaco, y llevo ya tres días recordando el aria interpretada por Weronika como un mantra, estremecido.
 
Una bellísima Irène Jacob interpreta a las dos Verónicas (Weronika y Véronique) que viven en dos ciudades distintas en Polonia y Francia. Weronika es apasonada y alegre, descuidada con su enfermedad cardíaca, mientras que Véronique es más cauta y misteriosa. Físicamente iguales, ambas presienten ese otro yo con el cual comparten los sentimientos más profundos.
 
La fotografía usa un color dorado que llena las imágenes de una atmósfera irreal, y la música de Zbigniew Preisner es maravillosa. Pura poesía audiovisual. Os la recomiendo con entusiasmo; me falta mucho cine por ver, pero ésta es de esas pocas veces que he experimentado algo tan único viendo un film.

En los sueños de I Ming hay una caseta pagoda desde la cual poder observar un contínuo amanecer, un sombrero cuyo interior custodia constelaciones, incluso él mismo se sorprende al verse tan alto como una montaña. Blinky Rotred, amigo y admirador de su capacidad de romper la línea entre realidad e imaginación, nos invita a la habitación del prodigioso niño, residente en una humilde aldea cerca de Shangai.

José Luis Serzo profundiza en uno de sus proyecto-relatos más recientes: Los sueños de I Ming, el pequeño amarillo, guiándonos al manantial de fantasía de uno de sus personajes más peculiares. Óleos de diverso formatos, vídeo-esculturas y dibujos englobados en una instalación íntima y llena de alusiones a la sabiduría oriental, cine de ciencia ficción y la literatura.

Siempre consciente del peligro de su propuesta hoy en día, Serzo camina firme en su defensa de la imaginación expansiva como vía de conocimiento y transformadora del entorno. Crítico con la voluntad desmoralizadora y la oscuridad de ciertas élites imperantes, el compromiso y valentía de su trabajo logran contagiar a iniciados y entendidos.

Por desgracia tan sólo quedan unos pocos días para el cierre de su exposición en Galería Blanca Soto. A quienes todavía no hayáis ido, os animo a que os paséis hasta el sábado 25.

Aquí dejo el enlace a su web:

Web
 
Galería Blanca Soto Arte
Horario:
Martes – Viernes 10:00-14:00 / 17:00-20:00
Sabado – 10:00-17:00