Encuentros inesperados, escaparates, poesías involuntarias, objetos y deseos proyectados tal y como Plinio el viejo describiera acerca del nacimiento del Arte.
 
Cuerpos. Cuerpos grotescos como el de Unica Zurn, atada y fotografiada por Hans Bellmer. Teatralidad y erotismo como ceremonia subterránea. El grupo surrealista buscó sin descanso sorprender y alterar los convencionalismos burgueses de la época.
 
“¿Qué tengo? ¿qué tengo? quequé tengo. ¿Qué tengo que es? quequé es esto. ¿Qué que eres? Quéquete. ¿Qué quieres tú? quéque quieres. ¿Qué tengo que es esto que tengo en? ¿Qué tengo que sexo tengo tiene? ¿quesquesex?”
J.P.Brisset
 
Para cambiar la vida, Man Ray, Claude Cahun y muchos otros sabían que había que ponerse otros ojos, experimentar con las imágenes cámara en mano, sin limitación física o moral.

Paul Nouge. esperando la aparición del objeto

Es una exposición sin duda impactante, en la que obras puntuales como “Sorda y muda, aquí estoy vestida con los pensamientos que me han puesto” del belga Marcel Marien, nos hablan de la doble acepción del título de la exposición. Subvertir transformando la imagen y subvertir transformando a partir de la imagen, alterando las coordenadas de la realidad.
 
Todavía quedan 10 días para poder disfrutarla. Aquí dejo un link para ver la visita virtual, e información:
Del 18 de junio al 12 de septiembre de 2010
 
Visita virtual
 
DIRECCIÓN

Paseo de Recoletos 23 – Madrid – 28004

Teléfono: 91 581 61 00
 
HORARIOS

Lunes de 14.00 a 20.00 hrs.

De martes a sábado de 10.00 a 20.00 hrs.

Domingos y festivos de 11.00 a 19.00 hrs.

 
Dentro de el programa España: Nuevas culturas urbanas. Berlín, 2010, organizado por el Ministerio de Cultura y la Embajada de España en Berlín, y que tiene lugar en dicha ciudad entre los meses de julio y agosto, mañana jueves se inaugurará Nulla dies sine linea. Ni un solo día sin una línea. Dibujo español contemporáneo, una muestra en la que participo junto a otros 22 artistas, en la que se podrá ver la calidad y heterogeneidad del dibujo Español que se realiza en la actualidad.
 

Artistas participantes:
 
Pedro Alarcón Ramírez | Manuel Barbero | Juan Ángel González de la Calle | Sofía Jack | Abraham Lacalle | Imanol Marrodán | Lola Marazuela y Paco Mesa | Sito Mújica | Marina Núñez | Luis Pérez Calvo | PSJM | Luis Quintero | Ruth Quirce | Enrique Radigales | Fernando Renes | Luis Salaberría | Domingo Sánchez Blanco | Óscar Seco | José Luis Serzo | Daniel Silvo | Santiago Talavera | Juan Zamora | Jesús Zurita
 
Dirección:
Freies Museum Berlin
Ma – Sa 12 a 19 h.
Potsdamer Str. 91
10785 Berlin
 
Web Nuevas culturas
Ver el Catálogo. Diseñado por Se ha ido ya mamá?

2010
Óleo sobre tabla. 40 x 40 cm
 

 

Nuestro extraño garaje en el centro de Madrid es a la vez refugio, espejo, catapulta y, con motivo de esta exposición en Galería Siboney, proyector de nuestra obra.
 
El pasado viernes 4 inauguramos el extraño garaje, donde unimos nuestras visiones y maneras tres artistas complejos, muy diferentes y afines al mismo tiempo. Siendo consciente de lo providencial y extraordinario de poder compartir esta muestra con dos artistas a quienes admiro, os invito a visitarla o a recorrerla con imágenes.

 
El extraño garaje
hasta el 27 de junio de 2010
 
C/Castelar, 7
Telf. (942) 31 10 03
Santander
 
www.galeriasiboney.com
info@galeriasiboney.com
 
 

Galería Flickr de la exposición

2010
Óleo sobre tabla. 38 x 46 cm
 

 

“Una vez tuve un amigo que me dijo que el peor error que puedes cometer es pensar que estás vivo,cuando realmente estás dormido en la sala de espera de la vida. El truco es combinar tus habilidades racionales conscientes con las posibilidades infinitas de tus sueños. Porque si puedes hacer eso, podrás hacer cualquier cosa.”
Chico que toca un ukelele
 
En los 101 minutos de este desconocido film, realizado en 2001 por Richard Linklater, la técnica de Rotoscopio digital, y un gran guión que concatena diálogos sobre la realidad, las relaciones humanas, filosofía, los sueños lúcidos o teoría cinematográfica, nos hacen reflexionar profundamente sobre nuestra percepción de la realidad, en cómo el conjunto de luces y sombras que llegan a nuestra retina produce una dimensión psicológica y emocional única, filtrada por nuestra proyección contínua de sueños y deseos.
 
Estamos en la era del cine en 3D, sí, pero en esta cultura de masas, de golosinas culturales, el cine de animación parece haber relegado la implicación del espectador a unas gafas de colorines. No busca una verdadera experiencia sensorial sino entretener, distanciar cada vez más lo real de lo mejorado. Por ello ver esta película me ha resultado tremendamente refrescante; en ella el uso de la animación y del dibujo no son un mero despliegue de efectos sino una perfecta fusión entre idea y forma, un complemento perfecto para los descubrimientos y riesgos que esconde.
 
Nadie dijo que los sueños fueran fácilmente digeribles, ni la filosofía, ni la mayoría de formas artísticas que, con decisión y atrevimiento, nos ponen contra las cuerdas. Así pues, Waking life tiene mucho de ensayo filosófico y estético al que volver como un libro lleno de marcadores. Abarca temáticas muy diversas con diálogos que hacen referencia al situacionismo (Guy Debord), el existencialismo (Sartre) y postmodernismo entre muchos. Interesantísima es también la escena “The holy moment” sobre la “realidad objetiva” en el cine en la que el propio film se convierte en Metafísica.
 
Son las ideas puestas en escena (por personajes moviéndose incómodamente en los sueños del protagonista), las que exhortan al espectador, las que invitan a movernos y sacudir cuanto hemos creído hasta ahora.
 
Link a la web de Waking life

Hiroyuki Doi es un artista Japonés autodidacta cuyo sencillo vocabulario es el círculo, que repite de manera casi obsesiva hasta crear grandes masas topográficas o cósmicas.
Mediante un sencillo bolígrafo Pilot de tinta negra sobre papel japonés, Doi trabaja la superficie sin nada planeado, alcanzando un estado de trance necesario para la concentración y el ensimismamiento.
 
“En esta sociedad informatizada, debemos enfatizar todavía más el trabajo de nuestras manos. Encuentro alivio en el dibujo; algo externo a mí me pide hacerlo. Dibujando círculos siento que existo en el cosmos”
 
Aunque en los años 70 el artista recibió influencias occidentales, gracias a numerosas visitas a museos en Europa, la esencia difícilmente clasificable de su trabajo posee cierta afinidad con las pinturas abstractas experimentales que realizaron algunos artistas como Jirõ Yoshihara o Sadamasa Motonaga, pertenecientes al movimiento Gutai, del Japón de posguerra.
 

Aquí dejo un link y varias imágenes:
 
Thomas Williams Fine art Gallery

Fuentes: Edward Gomez en el magazine “art on paper” Vol. 7, No. 6, Abril de 2003.
           Holland Cotter, New York Times, 16 de Septiembre de 2005

Paul Noble (Northumberland, 1963) ha fraguado un camino único e inconformista en la escena artística británica, a partir de su monumental proyecto “Nobson Newtown”, que describe una ciudad ficticia de mismo nombre a través de numerosos dibujos que representan lugares como el hospital Nobspital , el cementerio Nobsend o el centro del pueblo Nobson Central

A veces arquitecto, otras historiador social o cartógrafo, el artista se centra en el concepto de ciudad, en su metáfora cultural inseparable. Para ello empobrece la estética mediante una perspectiva axionométrica y la monocromía del grafito (nunca más blando que 3H), lo cual dota a las obras de un cierto aire post-apocalíptico. Muchas de sus construcciones-bloque son derivadas de NobFont, una tipografia geométrica creada por él.
 
Descubrí su obra hace ya unos 6 años en Londres, visitando una exposición de jóvenes artistas británicos. Allí me impactaron tanto los grandes formatos como el tratamiento contenido y minucioso que quizá haya heredado en algunos trabajos propios. Aquello me trajo a la memoria la Torre de Babel de Brueguel el viejo, y hoy, al retomar sus obras, pienso en Tomás Moro y su ciudad Utópica, en la importancia de imaginar nuevos lugares, en ser conscientes de que vivimos en ciudades imaginadas en algún momento por otros.
Merece la pena dedicar un rato observando esta sociedad paralela y extrañamente actual

A las 20.00 horas del pasado viernes tuvo lugar la entrega de premios del II Certamen de Dibujo Contemporáneo ‘Pilar y Andrés Centenera Jaraba, en el cual mi obra quedó finalista. La exposición colectiva que desde el viernes se podrá ver en la sala de exposiciones del ayuntamiento de Alovera está formada por los siguientes autores:
 
PRIMER PREMIO
Ignacio Manuel Bautista “Mutiu”
SEGUNDO PREMIO
José Luis Serzo
ACCÉSITS
Juan Zamora
Antonio Melo
SELECCIONADOS PARA EXPOSICIÓN Y CATÁLOGO:
Jacobo Castellano
Santiago Talavera
Adrián García Gutiérrez
Arturo Prins
 
Es una exposición muy recomendable, con piezas de alto nivel y muy representativas de las diferentes propuestas del dibujo contemporáneo.
La exposición tiene lugar en la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Alovera. (Guadalajara)
Plaza Mayor, 1. 19208 Alovera. Guadalajara – España
Teléfono: 949 27 52 60
 

David Hockney tiene 72 años y mantiene impolutos el entusiasmo y el empeño que en los 80 le llevó a trabajar con las fotocopiadoras o el fax y, recientemente, en su exposición en Londres titulada Drawing In a Printing Machine, muestra sus obras digitales creadas con una tableta gráfica y un iPhone, utilizando Brushes

Son 28 obras, ente retratos de familiares y amigos y paisajes de la campiña de Yorkshire que han convencido y generado críticas, sobre todo entre quienes se resisten a avalar que las nuevas tecnologías reemplacen a las técnicas tradicionales

Hockney se deleita con la sencillez de esta nueva herramienta, pese a los numerosos años llevado libretas en los bolsillos, además de pasteles, grafitos y botes de acuarela:
 
“Está ahí, siempre en mi bolsillo, no hay que retorcerse ni mezclar para conseguir el color deseado. Te puedes poner a trabajar inmediatamente, lo cual proporciona una inmediatez y frescura al trabajo; y cuando se acaba, lo mejor de todo, no hay desorden, ni que limpiar. Tan sólo apagas el aparato.[...]“

En estos días de alboroto por la nueva ley de propiedad intelectual, en los que volvemos a plantearnos la legitimidad de la reproduccion, me pregunto si a Hockney se le habrá ocurrido ofrecer los archivos digitales de sus nuevas obras por la red, para que podamos descargarlas e imprimirlas. Pensándolo mejor, es cierto que no sería el primero, y a él no le hace falta algo así para lograr la atención mediática
 
Web del artista
Aquí dejo algunas imágenes:
 
Fuentes: vectoralia, El País
 

Aquí tenéis una nueva obra: “Core”. Abrazos a todos.
 

 
Un documento del pasado 17 de septiembre en las visitas a estudios Desvelados 09.
 
Ricardo Alcaide | Adrián García | Hisae Ikenaga | Santiago Talavera | Paula Rubio.
 
Noticia en RTV.es

¡¡¡La Noche de los Creadores Vivientes!!!
 
Luis Úrculo | Julian Oliver | PKMN | José Luis Serzo | Darío Peña | Santiago Talavera | Husos | UHF | Guillero Mora | Busto Bocanegra
 
Los autores seleccionados por Iván López Munuera para el archivo de creadores de Madrid estaremos este viernes contando nuestro trabajo, a las 20:00 horas en Matadero Madrid.
 
Matadero Madrid TERRARIO
Paseo de la Chopera, 14 Madrid
Metro Legazpi
www.mataderomadrid.com

Mi trabajo ya forma parte del Archivo de creadores de Madrid, seleccionado por Iván López Munuera.
 
Web del Archivo de creadores
 
 
 

Los mundos paralelos que David Thorpe lleva desarrollando desde mitad de los noventa incluyen dibujo, pintura, escultura, instalación, performance, textos en paredes y collage. Inventa mundos fantásticos, emplazados en paisajes sublimes, para comunidades altenativas imaginarias.
 
”Mi trabajo me ayuda a ver que todo es posible, que podemos trascender cualquier limitación.”
 
En sus obras vemos viviendas aparentemente futuristas en páramos alejados de la civilización. Los paisajes inmediatamente revelan referencias a artistas del siglo XIX como Caspar David Friedrich, o Albert Bierstadt y ofrecen una convincente re-interpretación de la mirada visionaria y sublime para el siglo XXI.
 
Laboriosamente construidos, los collages de Thorpe suelen llevar piezas de chapa, cortezas, cuero o flores secas; podemos ver diferentes niveles espaciales, desde papel de seda a materiales pesados, construyendo imágenes en las que la técnica y los materiales enlazan perfectamente con el contenido. Como él mismo apunta: Estas obras muestran cosas, pero podrían estar manufacturados por gente de estos mundos. Podrían ser el tipo de imágenes que se ven dentro de estos edificios.
 
Aquí dejo algunas imágenes de sus obras.
 

Aquí dejo una nueva obra. Abrazos.
 

 

Clarence Schmidt nacio en 1897 en Queens, Nueva York. A los 31 años se mudó a una propiedad heredada en Woodstock, donde comenzó a construir su propia cabaña, llamada Journey’s end, que a finales de los sesenta se había transformado en una estructura de siete pisos con rampas, balcones y azoteas ajardinadas. Schmidt se refería a la cabaña original como su sanctum interior, y a los jardines como su esperanza reflejada.

La enorme casa era un laberinto de pasadizos conectando espacios cubiertos de capas de aluminio, pintura, flores, madera y fragmentos de espejo. Schmidt repavimentó la casa con metal sobre alquitrán y añadió cuerdas de aluminio. Afuera, las ramas de arbustos y árboles eran también envueltas en papel plata, y en el área llamado el callejón iban apareciendo pequeños santuarios y grutas; eran especialmente inquietantes aquellos que incorporaban máscaras de goma, pies y manos.

Tras un incendio que se lo llevó todo, y una segunda construcción (The Mark II) que desapareció de igual forma, durante los siguientes veinte años tan solo algunos restos de máscaras y añadidos de su hijo Michael permanecieron en el lugar.

Fuente: Clarence Schmidt: Toward Journey’s End by Gregg Blasdel and Bill Lipke

Hoy las imágenes de esta Casa de espejos brillan intensamente, y quizás saber que ya no existe aviva todavía más la fábula. Dejo aquí debajo algunas imágenes.