Aquí dejo el texto-entrevista que saldrá en el próximo número de 967 Arte. Al ser demasiado largo para el blog, dejo un enlace para que os lo bajéis en pdf.

Por Iván de la Torre Amerighi

Debo confesar que el primer encuentro con la obra de Santiago Talavera fue del todo casual. Visitando al común amigo José Luis Serzo en su estudio, al bajar un tramo empinado que giraba sobre su izquierda me topé, en la pared frontera, con una obra de grandes dimensiones que me atrajo sólo por lo que podía intuir, ya que estaba enteramente cubierta por plásticos translúcidos. Tras estos parecía bullir un minúsculo universo, fragmentado y proteico. Entonces no lo sabía, pero aquella obra era “La isla de los voraces”, tan importante por tantas y tantas cosas para la trayectoria del artista. Después me preocupé por buscar otras obras, ante las cuales me surgieron numerosas preguntas, que pronto le trasladé al artista utilizando el dinamismo y versatilidad que nos permitía internet. Lo que sigue es una relación de preguntas, respuestas y reflexiones sobre unas y otras:

- Observando tus obras, es apreciable que existe una diferencia muy sutil, por no decir casi imperceptible, en la forma de entender indistintamente dibujo y pintura. De hecho la primera vez que vi “La Isla de los voraces” bajo los plásticos que la envolvían pensé que me encontraba ante una pieza con entidad de lienzo de gran formato. ¿Por qué crees que sucedió esto?

- Disfruto pintando como dibujante y dibujando como pintor. Intento que se diga que un cuadro es un cuadro por estar trabajado sobre tabla o lienzo, aunque el resultado tenga la plasticidad propia del dibujo. En algunos casos como el que comentas, el papel me permite mayor versatilidad para plasmar procesos largos y complejos, lo que provoca un pequeño cambio de roles. Sigue habiendo en torno al dibujo y la pintura ciertas ideas establecidas: resulta extraño que un cuadro sea el boceto para un dibujo, o que en una exposición un dibujo eclipse al resto de obras.

Pintar como un dibujante y dibujar como un pintor. ¡Qué certera definición! Si analizamos atentamente unos y otros, no será difícil descubrir la utilización poco ortodoxa pero muy efectiva –por ejemplo- del óleo sobre el papel mientras, por el contrario, se recrea en la abundancia de la línea y la textura sobre los lienzos.

- Hay un placer que no escondes pero que utilizas muy sutilmente: el enfrentamiento de realidades divergentes, diferidas, o, más concretamente, la inclusión en una escena en ‘apariencia’ ortodoxa de un elemento discordante y paradójico que nos obliga a variar nuestras nociones de certeza. ¿Cuál es la finalidad?

 
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El pasado jueves pude ver la exposición de Clare Woods en Galería Pilar Parra & Romero. Ante sus obras, pinturas esmaltadas sobre aluminio, rápidamente nos vemos envueltos por una atmósfera oscura y poética. Los lugares que la pintora británica nos presenta son arboledas, pozas y bosques perdidos, vistas nocturnas o frondosidades a las que la luz diurna no puede acceder. Cemetery Bends, obra que da título a la exposición, sugiere una apertura a lo desconocido desde una bajada que nos saca de cualquier camino o carretera.
 
Si bien la fotografía tiene un papel importante en su método de trabajo, es la tensión entre control y azar lo que me atrae de su pintura. El cálculo de cada una de las manchas convierte lo aparentemente gestual en una compleja escenografía donde las alusiones al simbolismo, el folclore inglés y una cierta mirada ascética de la naturaleza me atraparon desde el primer instante.
 

Hace ya un par de años descubrí la obra de Jaume Pitarch. Fue en la galería Spencer Brownstone de Nueva York, y me quedé enganchado por su sencillez y aguda intuición. Vídeos, fotografías e instalaciones que hablan por sí mismos. Objetos que parecen presentados tras haber llevado al límite su significado y utilidad.
 
“Intento no crear nuevos objetos artísticos, sino incidir sobre la realidad existente, o sobre el desbordante stock de producción material diversa que ya nos sobrepasa.”
 

Más tarde vi el vídeo Dust to dust, en el que el propio Jaume barre el suelo de un almacén abandonado. La nube de polvo que se levanta es tan densa que acaba por hacerle desaparecer hasta que, habiendo caido dicha nube y recuperada la nitidez, el artista repite una y otra vez su acción. Pitarch realiza acciones triviales; no añade prácticamente nada a los objetos que trabaja salvo alguna alteración de sus elementos y, sin embargo, alcanza el hecho poético. Sus obras parten de supuestos conceptuales pero el recuerdo que dejan es tierno, actual y reflexivo.

 
Web del artista

Aquí debajo dejo una seleción de obras.

Todas las personas tienen su doble, dice el mito del Doppelgänger. En algunas leyendas, ver el propio Doppelgänger es un augurio de muerte. Quizás una forma como muchas otras de superstición, o una erupción del arquetipo del doble, pero la idea de que haya alguien igual que nosotros, un Alma gemela en alguna parte del mundo, es muy seductora.
 
Hace tiempo que no dedico una entrada de mi blog a una película. La doble vida de Verónica, de Kieslowski, me ha dejado aturdido. Es la primera vez que veo una película del gran director polaco, y llevo ya tres días recordando el aria interpretada por Weronika como un mantra, estremecido.
 
Una bellísima Irène Jacob interpreta a las dos Verónicas (Weronika y Véronique) que viven en dos ciudades distintas en Polonia y Francia. Weronika es apasonada y alegre, descuidada con su enfermedad cardíaca, mientras que Véronique es más cauta y misteriosa. Físicamente iguales, ambas presienten ese otro yo con el cual comparten los sentimientos más profundos.
 
La fotografía usa un color dorado que llena las imágenes de una atmósfera irreal, y la música de Zbigniew Preisner es maravillosa. Pura poesía audiovisual. Os la recomiendo con entusiasmo; me falta mucho cine por ver, pero ésta es de esas pocas veces que he experimentado algo tan único viendo un film.

En los sueños de I Ming hay una caseta pagoda desde la cual poder observar un contínuo amanecer, un sombrero cuyo interior custodia constelaciones, incluso él mismo se sorprende al verse tan alto como una montaña. Blinky Rotred, amigo y admirador de su capacidad de romper la línea entre realidad e imaginación, nos invita a la habitación del prodigioso niño, residente en una humilde aldea cerca de Shangai.

José Luis Serzo profundiza en uno de sus proyecto-relatos más recientes: Los sueños de I Ming, el pequeño amarillo, guiándonos al manantial de fantasía de uno de sus personajes más peculiares. Óleos de diverso formatos, vídeo-esculturas y dibujos englobados en una instalación íntima y llena de alusiones a la sabiduría oriental, cine de ciencia ficción y la literatura.

Siempre consciente del peligro de su propuesta hoy en día, Serzo camina firme en su defensa de la imaginación expansiva como vía de conocimiento y transformadora del entorno. Crítico con la voluntad desmoralizadora y la oscuridad de ciertas élites imperantes, el compromiso y valentía de su trabajo logran contagiar a iniciados y entendidos.

Por desgracia tan sólo quedan unos pocos días para el cierre de su exposición en Galería Blanca Soto. A quienes todavía no hayáis ido, os animo a que os paséis hasta el sábado 25.

Aquí dejo el enlace a su web:

Web
 
Galería Blanca Soto Arte
Horario:
Martes - Viernes 10:00-14:00 / 17:00-20:00
Sabado - 10:00-17:00
 

Algo más se necesita para que ciertas cosas nos convenzan lo bastante para hacernos cambiar de actitud y de conducta. Eso es lo que hace el “lengaje onírico”. Su simbolismo tiene tanta energía psíquica que nos vemos obligados a prestarle atención
 
Carl G. Jung
 
Cuando me encuentro con una obra de Jesús Zurita siempre revivo sensaciones de la infancia. Muchas de ellas tienen que ver con los delirios que en más de una ocasión tuve, debidos a las altas fiebres. En aquellos fascinantes episodios daba lo mismo cerrar o abrir los ojos, todo estaba cargado de una extrañeza sensual y afligida. Eran breves iniciaciones al arte, momentos para especular con el sueño y la imagen. Puertas al otro mundo.
 
Cuando miraba los lienzos de Zurita en su reciente muestra en el CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente), pensaba en Jung. Según él nadie puede interpretar nuestros sueños o las figuras derivadas de los mismos. La ambigüedad y la vagancia son parte de su expresión, por lo que nos guste o no, sólo nos queda percibirlas con la conciencia psíquica de la que están hechas: imaginación. De nada nos serviría intentar aprehenderlas mediante el mundo sensorial.
 
En su obra más reciente, titulada Destemplanza, Jesús Zurita opera en nuestro mundo racional, decapando mediante delgadas líneas, bloques oscuros, sudores fríos, dáimones, humos alquímicos, rocas o superficies irrealizables. La espacialidad de su pintura tensa lo geométrico y lo orgánico, delicadeza oriental escondida y síntesis conceptual. Conforme nos adentramos en sus cuadros “sospechamos” su mundo onírico y descubrimos el Poder de una obra sutil, arriesgada y de una densa carga simbólica.
 
No lo voy a negar: me fascina su pintura. En la inauguración además tuve la suerte de conocerle. Os recomiendo acercaros por su exposición, que estará abierta hasta el 17 de mayo.
 
CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente)
Calle Leganés, 51.
Horario de las exposiciones:
De lunes a sábado de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 21.00 horas.
Domingos y festivos de 17.00 a 21.00 horas.
 
 

Todavía tenéis cuatro días, hasta el sábado incluido, para acercaros por la galería. Quizás nos veamos allí.

Saludos a todos

“Intento pintar como Velazquez, pero con la textura de la piel de un hipopotamo” - Francis Bacon
 

El pasado jueves pude disfrutar de la primera gran retrospectiva de Francis Bacon en España, que estará expuesta en el Museo del Prado hasta el 19 de abril, antes de viajar a Nueva York.
 
Organizada en colaboración con la Tate Britain de Londres y el Metropolitan de Nueva York, la exposición muestra setenta obras del pintor británico, desde las primeras hasta las más cercanas a su muerte en Madrid. Muchas de ellas son indiscutiblemente imágenes poderosas e imprescindibles del siglo XX, como El retrato del Papa Inocencio XX o Tríptico (1944), y la mayoría de sus últimos trabajos, menos conocidos (al menos para mí), tienen una fuerza visual y un dominio de la paleta magistrales. Merece la pena poder acercar la mirada a unos pocos centímetros de sus lienzos: chorreos, goteos de la pintura del pincel (o el bote), precisos y afilados brochazos..; el acertado montaje, que divide las obras por bloques temáticos-cronológicos, nos permite entrar también en su estudio e investigar entre sus fotomontajes y amontonados recortes de prensa.

Antes de terminar, dejo un pequeño fragmento de las conversaciones con David Sylvester, libro que recomiendo y en el cual se puede ahondar en la personalidad de Bacon

 
Cuando se habla de la violencia de la pintura, es algo que no tiene que ver nada con la violencia de la guerra. Es algo que se relaciona con la tentativa de reproducir la violencia de la propia realidad. Y la violencia de la realidad no es sólo la simple violencia a la que aludimos al decir que una rosa o cualquier otra cosa es violenta, sino también la de las sugerencias dentro de la imagen misma, que sólo puede transmitirse a través de la pintura. Cuando te miro sentado a la mesa frente a mí, no sólo te veo a ti, veo también toda una emanación relacionada con la personalidad y demás. Y trasladar todo eso a un cuadro, como me gustaría poder hacer en un retrato, significa que aparecería violencia en la pintura. Casi siempre vivimos a través de velos; una existencia velada. Y a veces pienso, cuando dicen que mi obra parece violenta, que quizás haya sido capaz en ocasiones de correr uno o dos de los velos, o de las cortinas.
 

Óscar Alonso Molina

Una estantería se desploma en el estudio del artista y realiza por sí misma «un dibujo salvaje»; un camión vuelca para, en el accidente, revelar el secreto inconfesable de las mercancías; el mundo salta en añicos por sobrecarga: el peso que soporta es excesivo, nos ahogamos en la abundancia o, como decía profética Marujita Díaz, «nadamos en la ambulancia». Es cierto: que alguien venga a salvarnos del éxito clínico de nuestro sistema cuanto antes, por favor, porque no hacemos pie y la corriente nos arrastra hacia el centro del Maelström.

Aquel «carácter destructivo» del que hablaba Benjamin no veía nada duradero, pues al cabo no era si no una más de esas formas de la alegoría barroca en que la modernidad se encarna. «Hace escombros de lo existente, y no por los escombros mismos, sino por el camino que pasa a través de ellos». Por su parte, Santiago Talavera (1979), partiendo de mínimas porciones de caos, infra-acontecimientos, absurdos asumidos o la entropía cotidiana, propone una suerte de redención purificadora a través de la dedicación y la delicadeza pictóricas: Que el destino de las cosas se decida en lugares pequeños, reivindica desde el título de su nueva exposición individual.

EXORCISMOS. Ya de por sí la técnica empleada tiene algo de exorcismo contra el mal de nuestro tiempo; sin ir más lejos, el artista necesitó más de un año para la realización de La isla de los Voraces (2008), dibujo de grandes dimensiones convertido en la obra estrella de la muestra y de su propia carrera hasta la fecha. En el estudio, el enorme papel crecía milímetro a milímetro con una parsimonia exasperante, y a cada visita se descubrían añadidos casi imperceptibles aglutinándose en este mundo de escalas y encuentros arbitrarios, donde quedan comentados con infinita nostalgia los excesos de nuestra civilización insaciable. Es una pieza memorable que condiciona por completo la evaluación del resto de las obras expuestas, incluso de la trayectoria del autor, quien hacía cuatro años que no exponía en solitario.

TERRENO DE TRÁNSITO. Si hasta la fecha su minucioso realismo había estado al servicio del orden de la representación bajo la perspectiva de la fascinación que lo visual ejerce en el orden intelectual, ahora Talavera apura al máximo los recursos expresivos de su dominio técnico -que no son pocos, y de hecho le han mantenido al borde del puro virtuosismo en más de una ocasión-, para llevarlos aún más lejos, hacia el terreno del tránsito y el transporte de la idea. Su pintura se densifica; allí la narración, la anécdota, los símbolos y las metáforas han empezado a tramarse con un dominio que antes no existía.

Es sólo la tercera individual de un pintor autocrítico como pocos, quien gusta de dejar las mínimas huellas; merece la pena seguirlas, aunque sólo sea para degustar la rareza de una pintura muy a lo Peter Doig, tan poco frecuente entre nosotros. Primoroso justo al borde de lo edulcorado; ambiguamente ingenuo hasta el límite del kitsch; consciente con sus tanteos de lo ilustrativo, Talavera no dejará indiferentes a quienes en sesgada lectura de la modernidad aquí sólo alcancen a ver una fórmula reactiva, ensimismada para comentar el mundo visible. Pero, como la música de esas bandas sonoras que compone para sus exposiciones, la intangibilidad de mínimos detalles que se amalgaman entre sí van creando una atmósfera de maravillas y sorpresitas, donde los sentidos se aligeran y la consciencia se abre a los pequeños lugares del universo, esto es: el destino de las grandes cosas.

Publicado el Sábado 21 de febrero de 2009 en ABCD las artes y las letras

 
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José Luis Serzo

Estaba todo en su sitio, como era de esperar. En todo el macrocosmos. Santiago tenía el sabor del café en su boca mientras abría la gélida puerta de su estudio. Las siete de la mañana. Todavía no había amanecido. Cuando entró estaba todo en su sitio, decíamos, pero aquella fría mañana Santiago no recordaba prácticamente nada, y descubrió su pinturoso laboratorio con los ojos de un niño. Todos aquellos objetos…tan singulares y atractivos… Su amnesia matutina, como consecuencia de una larga e intensa jornada de trabajo, le mostró otro punto de vista hacia su obra, su estudio, su vida.

Las legañas de sus ojos le proporcionaron una visión del panorama cotidiano con un toque brillante y algo velado, como si de una película fantástica de los ochenta se tratara o, bien incluso, como si se encontrara ante una de aquellas imágenes donde una glamorosa Sara Montiel aparece tras el objetivo cubierto por una media.

Pero ahí estaba Santiago, todavía algo somnoliento; ante todos aquellos lápices, papeles, libros, revistas, tijeras, vinilos y piezas de miniatura, lienzos y tablas distribuidos por todos lados; sobre la gran mesa y una moqueta casi impoluta.

-¡ uuuaaaaahhhhhggg…!¿conoces el trabajo de David Schnell? -preguntó Sergeth, tras un estruendoso bostezo desde el otro lado del estudio.
Tras el sonido de ultratumba, Santiago, suficientemente sobresaltado como para terminar de llegar al mundo de los vivos, preguntó:
-¿Cómo dices? ¡Menudo susto me has dado! Ya has vuelto de Hamburgo, por lo que veo… ¿Se puede saber qué haces aquí tan temprano?
Sergeth se acercó con el pelo alborotado, descalzo y con los ojos hinchados.
- Anoche se me hizo muy tarde pintando. Llegué directamente del aeropuerto para zambullirme en el trabajo. No pensaba quedarme, la verdad. Me senté un momento a descansar y… hasta ahora. Tendré que llamar a Michelle, estará algo preocupada.
- No creo que lo esté, ya te va conociendo. ¿El trabajo de quién, dices?
- David Schnell, otro pintor al que incluyen en la nueva escuela de leipzig, como tu querido Matthias Weischer.
- Pues la verdad es que no lo conozco…
- Creo que te interesaría, tiene algo en común con tu trabajo…salvando las distancias, claro está. Al igual que tú, juega con espacios estéticos, ciertamente edulcorados, a punto de saltar o saltando por los aires. ¿Sabes? Anoche no pude contener la curiosidad y estuve merodeando por tu zona. Y, amigo mío, debo decirte que me sorprendí ante la fuerza con la que has trabajado estos dos últimos meses. Has resuelto con mucha coherencia los últimos trabajos, como si hubieras encontrado la clave a sus difíciles acertijos.
-La verdad es que cuando terminé La isla de los voraces se resolvió algo en mi interior y todo fue mucho más fluido.
-Ni que lo digas. La verdad es que la gran diversidad de recursos y la minuciosidad fragmentada que has utilizado en esta ambiciosa obra han tomado una unidad mayor de lo que me esperaba -dijo Sergeth acercando sus ojos hinchados al papel-. Esta obra puede funcionar como un mandala contemporáneo… Es algo hipnótico, sin duda. Despierta con fuerza nuestro niño interno e invita a deambular por todos sus encantadores recovecos…Tu increíble voluntad despertará un sentimiento casi místico en el espectador, dado que se ven pocas obras tan elaboradas como esta -terminó diciendo Sergeth, haciendo una mueca de las suyas con los ojos truncados.
- Creo que no soy consciente de todo lo que he puesto en ella…Si la gente se para a descifrar los símbolos me sentiré, de algún modo, desnudo.
- Que no te quepa duda… Es el resultado de una gran catarsis. Un vómito sublimado. Santiago, ya lo dijimos junto con Arturo: es tu jardín de las delicias particular. Una suerte de autorretrato, la representación de una determinada fase crucial de tu vida. Aquí está todo lo que has deseado y temido.
- Es cierto. Te confesaré que, ahora mismo, no sé si siento alivio, tristeza, orgullo, vacío o plenitud ante esta obra. No sabría si quemarla o sacralizarla.
- Como todas las grandes obras de la humanidad, diría yo. Pero esta gran obra no sólo es tu autorretrato, sino un buen retrato de ésta sociedad actual, tan paradójica y llena de contrastes…Una isla artificial, sostenida y sosteniendo el zigzag entre lo bello y lo siniestro. El caos y el orden. Un retrato de la misma posmodernidad, con una silueta frankensteinizada (menuda palabreja me ha salido) a base de fragmentos. Un gran collage, sí señor. ¿Te haces un café? -preguntó Sergeth sin separar los ojos hinchados del dibujo mientras se rascaba la cabeza.
- Claro, ahora mismo lo hago. ¿Qué tal por Hamburgo?
-Mucho frío, como siempre. Pasamos unas navidades muy entrañables. Aquello te encantaría, Santiago. Tu vena nórdica se encontraría de maravilla por allí. He visto muy buenas exposiciones y… Por cierto, ¿te has dado cuenta de que podríamos estar metidos en un movimiento, a nivel internacional, en el que se vuelven a retomar antiguas fuentes de inspiración? En este caso, renovadas y actualizadas. Una suerte de nuevo romanticismo, cargado de cierta melancolía hacia otro paradigma posible, pero con un componente revitalizado y esperanzador importante. Y aunque algunos de estos artistas incidan frecuentemente en la utopía, en ocasiones se puede convertir en la búsqueda de una ideología revolucionaria, a mi modo de ver. Acuérdate de los artistas seleccionados
en la exposición de Ideal worlds, por poner un ejemplo.
- Puede que sí, pero siempre se han encontrado referentes, coincidencias y similitudes en todas la épocas, sin tener que catalogarse necesariamente como un movimiento propiamente dicho. ¿No crees? Está claro que algo se respira en el ambiente de unos años a esta parte, pero siempre han existido peces a contracorriente… Ahora ya somos muchos los que estamos cansados de cierto rollo imperante. Son pulsiones y focos de resistencia.
- Emboscados… en ocasiones operando como peces piloto de una gran ballena.- Sergeth cogía algunos pequeños cuadros para mirarlos con detalle- En tu caso-continuó el romanticismo se configura con una estética híbrida de continua lucha.
- Sí, la pulcritud del diseño gráfico de obras anteriores contra la revisión del
paisaje (naturaleza) virtual. Es como el proceso de una descodificación digital para volverla de nuevo analógica, humana.
- También se descubren guiños a la historia del arte oriental. Las ruinas, en tu caso, vienen a ser basureros, desguaces, escombros tras un desastre natural. La belleza todavía no campa a sus anchas. Todavía hay mucha batalla por librar, ¿no es así? -dijo Sergeth con cierto tono humorístico.
- Seguramente no tenga que campar a sus anchas, mi querido amigo. Lo mejor de nosotros está cuando removemos las fichas del juego, justo antes de comenzar una nueva partida. Para mí, la belleza está en sacar brillo a la lucha diaria, aprovechar los contratiempos como trampolín a otro escenario o borrar lo que ya existe y sentirnos más livianos. - Sergeth continuaba mirando fijamente uno de aquellos pequeños dibujos, y tras unos segundos prosiguió:
- ¿Sabes? En este cuadrito te pareces a Joseph Beuys…-dijo Sergeth levantando una ceja.
-¿Qué? – preguntó Santiago con otra ceja levantada.
- Si claro, el tío pintaba pequeños paisajes bajo las sillas de grasa y demás objetos, lo que pasa es que nadie las ha visto…Yo anduve con un espejito especial en el Hamburger Kunsthalle y pude descubrir y admirar alguna pintura de estas -dijo Sergth con un tono extrañamente serio, mientras seguía observando de cerca una pequeña pintura del suelo.
-Estás de coña…
-¿Tú qué crees?

Estáis todos invitados. Nos vemos allí :)

Aquí dejo una nueva obra titulada el mundo de aquel lado. junto con una cita que acompaña estupendamente.
 

El carácter destructivo es el enemigo del hombre-estuche. El hombre-estuche busca su comodidad y la médula de ésta es la envoltura. El interior del estuche es la huella que aquél ha impreso en el mundo envuelta en terciopelo.
 
Walter Benjamin “Discursos Interrumpidos I”, (Taurus Ediciones-1982)

Camino por un desayuno que es un campo de golf, que es una isla, que es un jardín del edén donde la maleza de filigrana descubre tesoros de mentira.
 
Disfruto de un paseo con elipsis y apenas me doy cuenta, pero cada vez que retorno al sendero tengo un tamaño diferente, quizás si muerdo ese dónut vuelva a mi tamaño de siempre. ¿Pero quién lo desea? Mejor no resistirse y dejarse llevar por la fuerza de lo suave o esta pesadilla de azúcar.
 
Graciela García. Que el destino de las cosas se decida en lugares pequeños. 2009

Escribo para comunicaros que hasta el próximo 30 de diciembre participo en Paisajes imaginarios, exposición colectiva temática en la cual se pretende dar una oportunidad al la cara más imaginativa y creativa del género del paisaje. Entre los artistas participantes están habituales de la galería: Dis Berlín, José Luis Mazarío o Emilio González Sainz, junto a algunos que ya mantuvieron una vinculación con Siboney como Guillermo Pérez Villalta o Charris.
 
A quienes podáis acercaros, aquí dejo un enlace al sitio web de Galería Siboney.
 
Galería Siboney

C/Castelar, 7
(942) 31 10 03
39004 Santander

 
Noticia en El diario montañés
 
Noticia en Artfacts
 
Vídeo
 

Matthias Weischer es un pintor alemán jóven aunque ya conocido internacionalmente, cuya carrera está en pleno ascenso y que estos meses es noticia en nuestro país, pues el CAC Málaga expone sus obras más recientes, realizadas durante su estancia de un año en Villa Massimo (Roma), bajo el nombre Room with a view.
 
Las obras de Matthias Weischer usan la arquitectura para explorar las posibilidades de la ilusión espacial. Mezcla estampados obsesivos, contrasta zonas geométricas con total abstracción; sus detallados motivos decorativos son parte de un complejo proceso de capas que muestran un inquietante juego de planitud y tridimensionalidad.
 
Lo que me atrae de su pintura es una cierta improbabilidad en su construcción, una danza entre el gesto expresionista y un ordenado formalismo que realza el misterio latente de cada espacio.
 
Gracias a la beca Rolex, Weischer disfrutó de un año de apadrinamiento con el artista David Hockney. El vídeo que podéis ver en el link es muy interesante, ojalá se desarrollen iniciativas como ésta aquí (lo más parecido que conozco es ésto.

La muestra podrá visitarse del 19 de septiembre al 16 de noviembre en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, de martes a domingos de 10 a 14 hs y de 17 a 21 hs.

Una nueva pieza ha salido del estudio. Espero que os guste.
 

 

La música de Gregor Samsa en su tercer y más reciente trabajo requiere ponerse otros oídos. Pese a la instrumentación sencilla y a ser un disco esencialmente ambiental, estos siete músicos han creado cuarenta y ocho minutos de música difícil de olvidar.
 
Los componentes de la banda, esparcidos por norteamérica, han cuidado meticulosamente las melodías, grabando y modificando las piezas por email durante nueve meses. El resultado ronda tonos débiles y transparentes, crece en una serena y a veces vertiginosa búsqueda de la belleza. Las guitarras de trabajos anteriores dan paso a vibráfonos, pianos, clarinetes.. un enfoque en definitiva clásico.
 
Provenientes de la música etiquetada post rock, que les emparenta con bandas como Sigur Ros o Explosions in the Sky, en temas como Abutting, dismantling o Jeroen Van Aken Gregor Samsa demuestran estar ya muy lejos de encasillamientos, definiendo maneras más depuradas, flirteos con minimalismos (Philip Glass) y destilación de instantáneas emotivas.
 
Cómo no, aquí dejo enlaces para los que no conozcáis a la banda.
 
Web de Gregor Samsa
Jeroen Van Aken
Myspace
 
 

"La Historia no existe, sólo hay historiadores. De tal modo que si usted es Ridley Scott o Walter Scott es consciente de que cuanto hace es jugar con la Historia, a la que moldea y manipula como quiere"
Peter Greenaway
 
Tras haber visto “La ronda de noche”, la última película de Peter Greenaway, no pude evitar zambullirme en google en busca de información sobre el célebre cuadro de Rembrandt, alrededor del cual gira el film.
 
Y encontré una entrevista el la que el director británico afirmaba lo que subrayo encima de estas líneas. Toda una declaración de intenciones sobre lo que implica la interpretación de la historia y, en menor escala, las repercusiones y peligros que conlleva la investigación del misterio para el hombre despierto: Rembrandt y con menos riesgo Greenaway.
 
“La ronda de noche” traza una elaborada hipótesis sobre las implacables represalias que el pintor holandés sufrió tras finalizar el retrato de la compañía de arcabuceros de Ámsterdam. Greenaway nos muestra los muchos secretos que hay escondidos en el cuadro, y juega con la Historia al igual que supuestamente hizo Rembrandt.
 
Una película imprescidible para amantes de la pintura.
 
Aquí dejo un enlace:
Web de la película